MIS MEJORES DEL 2009
GRAN TORINO de Clint Eastwood.
UN CUENTO DE NAVIDAD de Arnaud Desplechin
LAS HORAS DEL VERANO de Oliver Assayas
ENTRE LOS MUROS de Laurent Cantet
AMOR EN EL AIRE de Jason Reitman
INVICTUS de Clint Eastwood
VIVIR AL LIMITE de Kathryn Bigelow
COUS, COUS, LA GRAN CENA de Abdellatif Kechiche
EL LUCHADOR de Darren Aronofsky
ROSETTA de Jean Pierre y Luc Dardenne
FROS VS NIXON de Ron Howard
LA OLA de Dennis Gansel
GRAN TORINO de Clint Eastwood
Walt Kowalski es un viudo conservador que mantiene sus prejuicios a pesar de los cambios sufridos tanto en su vecindario de Michigan como en el mundo. Es un anciano gruñón, duro e infeliz que no puede llevarse bien con nadie. Veterano de la Guerra de Corea, su mayor posesión es un Gran Torino 1972 que mantiene en perfecto estado. Su vecino Thao, un joven adolescente Hmong, bajo la presión de su primo pandillero, le intenta robar su auto. Kowalski se siente herido en lo que más quiere, pero reacciona positivamente al robo queriendo reformar al joven. Siente afecto por la familia de Thao, que otra parte son su única relación en el barrio.
Eastwood ha demostrado que en su cine es capaz de hacer películas que involucran tanto las emociones como los estereotipos. También es característica de su cine la posibilidad de redención. Sus peores personajes siempre han tenido esa posibilidad. Como Frankie Dunn en Million Dollar Baby o Butch Haynes (Kevin Kostner) en Un Mundo Perfecto. En Gran Torino describe a un hombre que arrastra la amargura de la soledad. Un personaje fuera de época en una mezcla de comedia y drama que termina resultando una película genial.
De alguna manera, Kowalski puede tener similitudes con Harry, el Sucio. Su visión de la violencia, su cinismo, su posición política son similares. No obstante ello resulta un personaje distinto y memorable. Es, además, su última actuación en el cine y es una de las mejores composiciones que ha hecho mostrando todas sus dotes actorales tanto dramáticas como cómicas. Kowalski es un cascarrabias veterano de guerra humanizado por una veta de humor que se desliza durante toda la película tratando que la tragedia que narra de lugar a un espacio para la reflexión sobre la vida y la violencia injustificada.
Gran Torino es una película intimista. Su personaje es un hombre que está de vuelta en la vida. Ha peleado en una guerra, y está dispuesto a morir por preservar la libertad, y ha recibido una medalla por su valor en combate. Ahora lo encontramos envejecido y en un mundo diferente por el cual él ha peleado. Incluso él mismo parece ser un viejo obsoleto. Está lento, se muestra más reactivo que perceptivo, y ha sido ganado por los prejuicios y la discriminación. Pero aun así puede ayudar a la comprensión. Ignora a ese mundo que ha cambiado, pero a su vez, es consciente que se ha vuelto viejo.
Meditación sobre la intolerancia, el choque cultural, y la inmigración, contada a través de dos historias paralelas en las que incursiona en un realismo duro donde la verdad aparece como un aguijón que se lleva por delante la prudencia, la película de Eastwood reflexiona sobre los valores de una sociedad en cambio, pero sobre todo, estimula la inteligencia de su espectador.
UN CUENTO DE NAVIDAD de Navidad, de Arnaud Desplechin
La familia Vuillard es una familia numerosa. Seis años antes, Elizabeth pagó las deudas de su hermano Henry y lo echó de la casa. Su otro hermano, Paul, tiene problemas mentales. Y su madre, Junon, acaba de ser diagnosticada de su necesidad de hacer un trasplante de medula ósea. Es Navidad.
Junon, aprovechando la ocasión, convoca a una reunión familiar. Dos miembros de la familia son compatibles con ella. Pero existe un único problema: sus relaciones familiares son pésimas. .El pasado ha procurado daños irreparables en sus relaciones de familia.
El cine de Desplechin hace recordar en su puesta en escena al mejor cine de Robert Altman, aquellas comedias situacionales donde la pintura de los personajes era profunda en incisiva a través de una detallada descripción de cada uno de ellos. Aquí los personajes se encuentran alejados uno de los otros. No es fácil encontrar la justificación o las razones de los distanciamientos. En cada cuadro que presenta se observa esa lejanía, ese frio que hay entre ellos, heridas del pasado que no han terminado de cicatrizar. Queda claro que esta familia esconde un esqueleto en el ropero.
Pero la inteligencia del cine de Desplechin no es el desarrollo de la revelación del potencial misterio que esconde. Su film se centra en esas relaciones familiares, la de cada uno con el otro, que pinta de forma admirable. El film es como una pieza musical moderna, mezclando estilos de cine que permiten la pintura de esta familia disfuncional y cada una de sus relaciones particulares. El director combina imágenes, sonidos y partituras musicales en las que el resultado es desnudar la intimidad del personaje. Incluso en algunas secuencias, los personajes se dirigen directamente a la cámara como si se estuvieran dirigiendo al espectador. El director también divide la película en capítulos como si cada instancia de ese día, cada hora trascurrida, estuviera sucediendo en términos reales, incluso alguna escena es vista desde el ojo de una cerradura como si lo que se percibiese es la intimidad más absoluta de ese entorno familiar.
Un film extraordinario de este gran director francés que ya nos había deslumbrado cuatro años atrás con Reyes y Reinas, aquel hermoso film también protagonizado por Emmanuelle Devos y Mathieu Amalric. Aquí se le une Catherine Deneuve como la madre para completar un elenco excepcional.
LAS HORAS DEL VERANO DE Olivier Assayas
Gran reflexión de Assayas sobre el paso del tiempo a través de los objetos y las obras que han pertenecido a una persona que ha estado cerca durante tu vida. Helena es la abuela de la familia, una verdadera figura matriarcal que ha dedicado su vida a preservar el legado cultural de su tío, un artista platico. No obstante ello, su hijo mayor solo quiere conservar la casa después de su muerte. Cuando ello ocurre, comienzan a darse cuenta de lo que Helena pretendía y toman consciencia de lo que significa la herencia que han recibido. Al disponer de la misma, el valor sentimental de esos objetos comienza a tomar otra clase de valor que termina superando el valor pecuniario de los mismos.
Assayas ha dicho que esta película resume su cine hasta la fecha. Y no es casual que los motivos de su filmación haya sido una idea original nacida de una propuesta del Museo D´Orsay, absolutamente dedicado al renacimiento, como forma de preservación a través del arte, del recuerdo de toda una época.
ENTRE LOS MUROS de Laurent Cantet
Estamos ante la nueva película de Cantet, un director francés que tiene en su haber películas como Recursos Humanos (1999) y El Empleo del Tiempo (2001), dos películas muy interesantes que revisan las relaciones laborales en nuestro tiempo. Ahora regresa con Entre Los Muros, un film que transcurre en una escuela de París cuyo alumnado es multirracial.
La película se concentra en la labor de Frncois Marin, un profesor de gramática francesa que emplea técnicas interactivas y de autodescubrimiento en el aula de manera de lograr una participación activa de todo el alumnado fomentando en todo momento la participación en la clase.
No obstante ello, las características y la heterogeneidad de la clase, genera un ambiente de indisciplina que llega incluso a la violencia. Cantet es un director que realiza una obra de un perfil netamente documentalista. Su interés está puesto en entender la violencia que produce la participación multirracial, por qué esa violencia estalla no solo en el barrio sino también se traslada a la clase provocando el hecho indisciplinario que termina alterando no solo las relaciones de compañerismo de los alumnos sino también el desarrollo normal de la clase y la posibilidad de ahondar en el conocimiento de una materia.
Lejos del cine hollywoodense, abrevando y renovando el neorrealismo, Cantet utiliza la improvisación con no actores del mismo modo que los hizo en Recursos Humanos. De esa manera, realiza un cine que respira realismo en el mejor sentido de la palabra. El desarrollo de la clase parece tan real como si hubiera filmado una clase real en un colegio. La puesta del director busca entender los tiempos que transita. Su obra, de alguna manera, es un adiós al tipo de enseñanza victoriana que imperó durante más de un siglo. Los tiempos han cambiado, los desafíos a la educación tradicional son permanentes, y la necesidad de adaptar la educación, lograr la atención del alumnado son desafíos que impone el cambio que vuelve todo vertiginoso y obsoleto antes de que nos demos cuenta.
Es un gran película que en el último Festival de Cannes se hizo acreedora a la Palma de Oro, premio mayor del Festival. Un reconocimiento sin lugar a dudas merecido.
AMOR EN EL AIRE de Jason Reitman
Jason Reitman había mostrado su capacidad para contar una historia en La Vida de Juno, una película que lo colocó como uno de los directores con mayor futuro en el cine americano. Ahora regresa con este excelente film protagonizado por George Clooney en el triste papel de un consultor en recursos humanos que se dedica a racionalizar personal, ello es despedir empleados sobrantes redimensionando de una empresa redimensionada, para lo cual vive viajando de un lugar a otro donde lo envía su consultora.
El film de Reitman retrata el fin de la sociedad industrial con una frialdad quirúrgica. Lo interesante del caso es la relación que establece entre el trabajo que realiza el protagonista y su estilo de vida, un estilo tan frio como el trabajo que realiza. La soledad de Ryan Bingham, tal el nombre del personaje, no solo lo acompaña en el trabajo sino en la vida. Bingham vive de despido en despido, y de avión a otro avión. Su vida privada transcurre prácticamente en los aeropuertos. No tiene esposa, ni hijos, ni parientes.
En uno de los viajes conocerá una mujer que también vive de la misma actividad. Ente ellos nacerá una relación furtiva que solo tendrá lugar en los tiempos muertos de los aeropuertos. Para ellos tampoco habrá un futuro.
Reitman retrata soledades, el mundo frio de los aeropuertos donde siempre hay gente de paso, apurada, o que tan solo vive en una espera permanente que es el de la partida. El personaje de Clooney, en una escena, menciona una metáfora acerca de que las personas no son cisnes que están destinados a perdurar juntos en la vida sino tiburones obligados a nadar continuamente, agobiados por la nada. Una síntesis amarga sobre la realidad del nuevo siglo.
El film encuentra en Clooney a un actor cuya sensibilidad ajusta perfectamente en un papel cuya vida interior es más importante que su fachada exterior. Él sabe que en el final de esa línea de despidos interminables que realiza todos los días, está el suyo propio como una profecía auto cumplida.
INVICTUS de Clint Eastwood
Esta película de Eastwood, aunque no lo parezca, es un film más político que deportivo. Y si bien el film recrea la participación del equipo de rugby de Sudáfrica en el Mundial que se llevó a cabo en 1995, y del cual resultara triunfador, el personaje central es la figura del presidente Mandela, recién elegido en aquel entonces, y lo que interesa en la película es la historia de cómo Nelson Mandela unió fuerzas con el capitán del equipo para ayudar a la unión de su país y superar el famoso “apartheid”.
El Apartheid era un sistema de segregación social de carácter racial impuesto en Sudáfrica que imperó formalmente hasta 1992, pero cuyas consecuencias de separacionistas y prejuicios de raza continuaron hasta mucho tiempo después.
Eastwood se concentra en la formación y entrenamiento del equipo nacional de rugby, liderado por su capitán Francois Pienaar, magníficamente interpretado por Matt Damon, que se está entrenando para intervenir en el próximo Mundial de Rugby a jugarse en la misma Sudáfrica en 1995. Un equipo de blancos con un solo jugador negro, que debía transformarse en el equipo del pueblo, cosa que nunca antes había sucedido.
A partir de allí y en la relación que entabla Mandela (Morgan Freeman) con el capitán Pienaar, el equipo comienza a cobrar forma, a ser competitivo y a ganar partidos, hasta llegar a la final de la copa del mundo con el resultado que todos conocemos.
Eastwood, ante todo, es un gran narrador. Un hombre que ha abrevado más que nada del clasicismo americano apoyado en toda la potencia de los medios modernos. Pero su cine, siempre ha intentado contar una historia, ser fuerte desde lo narrativo, y de esa historia, hacer reflexionar sobre la realidad y sobre sus mitos. En este último aspecto, Mandela era un mito viviente, el desarrollo del Mundial de Rugby era el ambiente propicio para que ese mito se convirtiera en una gran película.
Eastwood lo consigue otra vez. Logra emocionarnos con la relación que se entabla entre Mandela y Pienaar, entretenernos con gesta deportiva, interesarnos en la cuestión política, deslumbrarnos con su clasicismo siempre al servicio de historia. Cuánto más se puede pedir de un película que cuenta una historia conocida?
VIVIR AL LÍMITE (The Hurt Locker) de Kathryn Bigelow
Vivir al Límite es un estudio de personajes contenido en un thriller de acción y suspenso al mismo tiempo. El tema (el trabajo de un experto en desactivación de explosivos) produce la mayor parte del suspenso que la directora sabe mantener con destreza hasta el final. Y aunque pareciera una película política, sobre todo por su ambientación en Irak, es en su esencia, un film de suspenso.
Narrativamente, rompe las reglas clásicas al no seguir una estructura lineal sino más bien concentrase en la forma episódica donde la Bigelow una y otra vez vuelve a ponernos los pelos de punta haciéndonos sufrir con la posibilidad que la próxima bomba en desactivación explote no explote.
No obstante ello, la película nos engancha, logra interesarnos esa labor sacrificada de soldados que lejos de su patria no están haciendo otra cosa que salvar vidas en medio de una guerra civil que no es la ellos, pero que intervienen tratando de encontrar armas de destrucción masiva que después se comprobaría que no existían.
Bigelow reflexiona sobre la inutilidad de la guerra creando héroes en la arenas del desierto iraquí que son ignorantes de su carácter heroico. Pero por sobre todas las cosas desarrolla un extraordinario ejercicio de estilo que no hace otra cosa que demostrar que estamos ante una de las directoras más inteligente del cine americano. The Hurt Locker es ante todo una lección de cine.
COUS, COUS, LA GRAN CENA de Abdellatif Kechiche
La película funciona en múltiples niveles dado que saca jugo a problemas cotidianos universales: la inmigración, los prejuicios, la globalización, la discriminación, las cuestiones de edad, los efectos de la pobreza, narrando una historia de dignidad, sacrificio y amor familiar.
Filmado con cámara en mano, hace un cuadro de la comunidad Magreb en Francia y su dura lucha por la sobrevivencia. Con la utilización de primeros planos y planos secuencias que demuestran la capacidad y el sentido cinematográfico de Kechiche, el film se convierte en una comedia altamente emotiva que logra reflejar la intimidad de los personajes con grandes actuaciones que evocan al neorrealismo italiano.
Kechiche se concentra en dos comidas: una íntima y familiar, la otra, un cus cus en un viejo barco en el puerto donde familia, amigos y funcionarios locales están invitados por un anciano que desea emprender un negocio gastronómico a pesar de edad. El director acierta al lograr una gran espontaneidad de un clan actoral no profesional que se encarga de dar vida al conjunto.
El mundo que pinta Kechiche es un mundo vivo, alejado de todo acartonamiento y tipo de fórmulas. Estamos ante un film espontaneo y visceral que se transforma en una experiencia emocionante, divertida, conmovedora que lleva a Kechiche a un nivel superlativo en el cine francés. Un film que mezcla lo cotidiano con la tragedia logrando un film de gran calidez humana y una enorme calidad cinematográfica.
EL LUCHADOR de Darren Aronofsky
Es la historia de un veterano luchador profesional que apenas consigue trabajar en shows marginales de lucha libre y que se mantiene como empleado de una tienda de medio tiempo. Mientras enfrenta problemas de salud, intenta reconciliarse con una hija que abandonó en la infancia y formar un vínculo más estrecho con una stripper que tiene sentimientos románticos. Mientras trata de ordenar su vida, se le presenta la oportunidad de pelear contra quien fuera hace 20 años su archirrival en los rings. Una especie de revancha de la vida.
Aronofsky hace funcionar este guión fundamentalmente porque en la pantalla se ve y se siente una realidad. Muestra al deporte de la lucha con honestidad. Se siente a verdad y no a glamour acartonado. Y le da un tono épico que mantiene el interés del film hasta su final a pesar del convencionalismo de la propuesta.
Todos sus personajes son naturales. Mickey Rourke da extraordinariamente bien con su papel de luchador. Es un tipo solitario cuya vida parece haber pasado de largo. Un hombre de mediana edad que no tiene mucho en su favor. Necesita sentirse importante, ser alguien. Su actuación es una de la mejores de su vida actoral. No solo actúa sino que es el personaje que interpreta. Ni hablar del trabajo de Marisa Tomei, que no necesita demostrar lo gran actriz que es.
Darren Aronofsky se recupera a si mismo con este impresionante retrato de un luchador de catch, y se reubica como uno de los directores americanos más modernos e importantes. Su trabajo es discreto y a la vez brillante. Se ha adaptado perfectamente al material con que ha trabajado. Y eso le ha dado un resultado superlativo en su obra.
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ROSETTA de Jean Pierre y Luc Dardenne
La película comienza con una escena de lucha. Una muchacha de aproximadamente 18 años, es despedida de su trabajo en una fábrica porque su periodo de prueba ha terminado. Rossetta, tal nombre de la muchacha, está molesta y la policía tendrá que ir a la fábrica para desalojarla. Ella tiene sus razones: vive en una casa rodante con su madre alcohólica y necesita del trabajo para pagar sus gastos.
Hay algunas críticas que han comparado este film con los primeros trabajos de Fellini u otros de Bresson. Pero a mi entender, el realismo de los Dardenne, si bien puede tener influencias del cine francés de los 60, es único. La obra de los hermanos tiene una personalidad que a través de sus diferentes personajes nos han brindado una visión extremadamente personal del mundo que habitan.
En Rosseta no hay maquillaje. Solo luz natural, música incidental, y una cámara en mano. La cámara sigue al personaje principal de forma tal que se transforma en el punto de vista de la protagonista.
Rosetta es una adolescente que tiene carencias. Está prácticamente sola, necesita un trabajo y no lo consigue. En un momento está pescando peces en un rio para poder comer. Se quiere auto convencer que lleva una vida normal. Recorre la ciudad caminando o en bus tratando de conseguir un trabajo que le resulta esquivo.
Los Dardenne nos entregan otra pequeña gran obra cargada de humanidad describiendo a un ser celestial casi abandonado de la mano de Dios. Es una película bella y sentida. Rosetta nos trasmite sus pensamientos, sus ilusiones y fantasías. En el final aparece un momento de ternura que pareciera indicar el comienzo de una nueva etapa en la vida de la muchacha. Gran película de los hermanos belgas.
FROST vs NIXON de Ron Howard
Estamos ante una de las mejores películas de Ron Howard, el director americano ganador del Oscar por Una Mente Brillante. Su serie de entrevistas entre Frost y Nixon esta entre lo mejor de su cine. Cada momento en el que Nixon pretende distraer a Frost dando información de anécdotas en lugar de respuestas a la preguntas formuladas por el periodista es imperdible, donde no solo el dialogo es brillante sino el trabajo de humanización del presidente. No obstante ello, estamos ante una película que está más cerca del documental que de la ficción. Pero justamente, en ese aire de realidad que recrea el film, esta los mejor de Howard dando credibilidad a la acción y transformando la película en un documento que permite ver al político como un ser humano.
El film muestra minuciosamente la preparación de la entrevistas por parte de David Frost, un periodista de la televisión británica, con muy poca experiencia en el reportaje político, que sin embargo tuvo la habilidad de crear un ambiente de relajación confesional en el que Richard Nixon apareció simplemente como un hombre que aceptaba haber cometido un grave error político. Es el momento del film en que el ex Presidente de los Estados Unidos aparece realmente como un ser humano y no como el hombre más importante del mundo que supo ser. Cabe agregar que a posteriori y hasta su muerte en setiembre de 2013, David Frost entrevistó a los 6 Primeros Ministros de Gran Bretaña hasta 2007, y a los 7 presidentes americanos que sucedieron a Nixon, convirtiéndose en una leyenda del periodismo.
Basada en la obra teatral de Peter Morgan (La Reina), el guión aprovecha el gran espacio que deja la realidad para la dramatización y permite el lucimiento de Howard como cineasta, convirtiendo lo teatral en cinematográfico, aprovechando los múltiples espacios oscuros que dejaba la realidad sobre la personalidad de ambos personajes para la creación de los personajes, y dejar de lado toda posición política para concentrarse en el hecho humano, es decir, el error del presidente.
LA OLA de Dennis Gansel
Un maestro alemán de ciencias sociales tiene que dar una clase sobre el gobierno autocrático. Los alumnos están cansados de escuchar sobre Hitler, el Tercer Reich y el Nazismo. Consideran estar bien informados sobre el tema. Entonces el profesor decide hacer una clase práctica para mostrarles lo que es la vida en una autocracia. Eligen a un líder que comienza a inculcarles las prácticas que hacen a la ideología una realidad. Los estudiantes participan activamente en el experimento. El aula se convierte en una célula social copada por el fascismo.
La Ola es una gran historia que atrapa al espectador mostrando como la inocencia política y la falta de prevención transforma una sociedad al fascismo con suma rapidez. Un fino espíritu de ironía sobrevuela el film desde el comienzo. Los alumnos conocen quién es Hitler y las consecuencias de sus políticas. Pero piensan que esa experiencia es una lección aprendida y en consecuencia irrepetible por la historia.
Pero el experimento del maestro les demostrara con qué facilidad la conversión vuelve a repetirse, y lo que es peor, siendo ellos mismos los actores del cambio social negativo al convertir la clase en un antro fascista.
Con el antecedente de “Before de Fall” en 2004, un film sobre la seducción del nazismo sobre la juventud, el film investiga las psicologías individuales que provocan un movimiento colectivo incontrolable que transforma hasta la propia vida personal. Ahora, “La Ola” deja el interrogante sobre si la utopía perseguida a costa de perder la individualidad se transforma necesariamente en una comunidad donde se necesita imperiosamente sentido de pertenencia y empoderamiento para realizar la vida social.
La Ola bordea el género del film de terror toda vez que observamos la facilidad de conversión que genera el experimento que propone, especialmente sobre aquellas mentes en las que prevalece un sentido “mafioso” de la convivencia, considerando como mafioso a todo aquel individuo que tiende a perder su individualidad en pos de un comportamiento grupal.
En síntesis, una película interesante, provocadora, con gran sentido del humor e incluso suspenso. El guión se inspiró en hechos reales ocurridos en California. Es un film que debe verse porque su interés va más allá de lo cinematográfico para convertirse en un llamado de atención sobre la facilidad de desarrollo y nocividad social con que cuenta determinadas ideologías que pueden cooptar a nuestros hijos.