MIS MEJORES PELICULAS DEL 2010
1. VINCERE de Marco Bellocchio
Seis años después de Buenos Días, Noche, donde recreó con espíritu crítico el secuestro y la muerte de líder demócrata cristiano Aldo Moros, Marco Bellocchio regresa con otra historia real, la de Ida Dalser (una notable Giovanna Mezzogiorno), una mujer joven que en su juventud se enamoró de Benito Mussolini, quien años más tarde se convertiría en líder del fascismo italiano.
La película narra el derrotero trágico de Ida y su hijo una vez acabada la pasión de su romance con un Mussolini, quien comenzó primero a ser perseguida y luego internada en un manicomio donde el ahora Duce del fascismo italiano le hace la vida imposible para que termine muriendo en el encierro y poder casarse con Clara Petacci.
“Vincere” es representativa de toda la distorsión provocada por el fascismo en la vida y la historia italiana, y combina hábilmente imágenes de archivo con recreaciones, tanto en blanco y negro como en color en los que prevalecen los rojos encendidos y los frices cenicientos que dan una idea cabal de la pasión vivida de una época a la vez de la tremada decadencia en que cae la Italia vencida por la guerra.
Vincere es una mezcla apasionante de tumulto público con tormento privado extraordinariamente dirigido por la maestría de Bellocchio. Llena de pasajes operísticos, cargada de luces y sombras, lluvias y tormentas, deja en claro que la locura no está en Ida sino en el Duce y en un país que se ha vuelto loco detrás de un líder insano.
La escena más inquietante muestra un discurso real de Mussolini en la cima de su poder en el que sus gestos y contorsiones faciales no son solo extraños y amenazantes, sino inequívocamente los de un loco peligroso.
Visualmente exuberante y llena de claroscuros, será sin duda una de las más grandes películas de toda su filmografía.
2. COPIA CERTIFICADA de Abbas Kiarostami
James Miller (interpretado por William Shimell) es un autor británico en una gira por la Toscana, donde presenta una conferencia sobre la originalidad en el arte. Elle (Juliette Binoche) es una curadora de arte que organiza la charla. Al final de la misma discutirán sobre el tema presentado.
Al día siguiente, en una escena típicamente kiarostámica, subirán a un auto y recorrerán la Toscana mientras hablan y discuten sobre arte observando el campo, y conociendo algunos otros personajes del camino.
Uno de esos personajes confunde a la pareja con una pareja casada. Lo que comienza como un juego de roles, desencadenado por el malentendido, adquiere cada vez más aspecto de realidad hasta que la confusión entre realidad y fisión de esa realidad se confunden totalmente.
Llegarán a un hotel, harán el amor, y se preguntarán si están viviendo la realidad o es simplemente una fantasía.
Presentados los personajes, el espectador se pregunta en qué medida la relación entre los dos personajes centrales del film es real, o es una imitación de lo que alguna vez fue real. Y lleva a comparar la vida con el arte. En consecuencia, se pregunta si acaso un cuadro autentico es mejor que una copia certificada para llegarse a preguntar qué es lo real, lo auténtico.
Toda la película es una construcción de este concepto. Kiarostami juega con las diferencias entre la idea de realidad y la de imitación. Todo comienza a girar en torno a la representación o la originalidad frente a la imitación. Los reflejos en los vidrios de ventanas y espejos constituyen un símbolo y un recurso expresivo que profundiza aquellos conceptos.
Como todo su cine, sus personajes siempre están en movimiento, un devenir permanente que los puede estar llevando a alguna parte o a ningún lado. Tampoco se tiene certeza de que vivan una realidad o una simple fantasía. Asi en el cine como en la vida.
3. CARANCHO de Pablo Trapero
El carancho es un pájaro de nuestras pampas que se alimenta de carroña o animales heridos. Así también se les llama a los abogados que pululan por hospitales de conurbano bonaerense en busca de heridos en accidentes de tránsito con el propósito de iniciar juicios contra las compañías de seguros, cobrar los mismos y estafar a las víctimas.
Sosa (Ricardo Darín) es un abogado que ha perdido su licencia y ahora es uno de esos caranchos del título. Luján es una médica de guardias en uno de esos hospitales que atienden a estas clases de víctimas. Su romance será inevitable, pero en el mientras tanto, Trapero realizará una radiografía certera de una forma de ganarse la vida y del decadente estado de situación en que transcurre la vida suburbana en Argentina.
La película transcurre mayormente de noche. Es un film nocturno y abismal que se sumerge en un mundo violento donde todo se maneja por izquierda. Todo es deprimente. Poco hay para rescatar de ese submundo que tan bien describe el director salvo ese romance incipiente entre el abogado y la doctora.
No obstante ello, la pintura realista y el rescate de esa historia de amor hacen de esta película un film duro que se conecta con una realidad de pesadilla que se encuentra simplemente al otro lado de la gran metrópoli argentina. Contada con nervio y abierta con un estilete que llega hasta el propio hueso, se transforma en un documento de una realidad incontrastable que será muy difícil de modificar y llevará mucho tiempo para eliminarla.
No solo es una de las mejores películas de Pablo Trapero sino también un modelo de cine que le sienta bien al propio cine argentino. Un buen argumento, pleno de interés y acción, con un tema actual que hace foco en la situación social. Una excelente realización por parte de su director, un nivel expositivo que nunca niega la realidad sino la confirma, un nivel homogéneo de excelencia en la actuación. Sin lugar a dudas deja huella y muestra un camino.
4. LA PIBELLINA de Tizza Covi y Rinner Frimmel
Basada en un caso real, relata la historia de dos marginales que rescatan a una pequeña niña en los suburbios de la ciudad de Roma.
La pareja Covi/Frimmel lo hace a través de una cámara inquieta que comienza siguiendo a una mujer que busca a su perro en un parque de la ciudad. De pronto ve una niña, vestida con un traje de baño color rosa, que se columpia en los juegos. La niña está sola y desamparada. La mujer la lleva consigo y le da de comer.
El film apunta directo al corazón pero jamás pega un golpe bajo. Nos habla de la vida de dos artistas trashumantes que trabajan en un pequeño circo con el cual recorren toda Italia y se ganan la vida. Tienen poco para compartir pero un corazón muy grande. Rescatan a esta pequeña niña, le dan de comer, le bridan todo su amor y comienzan a criarla como su fuera una hija.
La película se detiene detallando la relación que se desarrolla entre ellos como pareja, y de cada uno de ellos con la niña generando un sentimiento de paternidad interesante y creíble. Sin grandes ambiciones pero con grandes influencias del neorrealismo, y del espíritu moderno de los hermanos Dardenne, el film se transforma en un gran fresco social.
El film impone la idea del compartir que se impone con fuerza dado que sus personajes son dos desposeídos que tienen que trabajar cada día de su vida para poder comer, y que sin embargo, ante ese ser abandonado, no solo lo rescatan sino que lo alimentan y lo comienzan a educar en un notable acto de amor y desprendimiento. Además, lo hacen de manera simple y lineal como si ese acto en cuestión hubiera sido iluminado por una luz divina.
Ese acto, además, los hace nobles y virtuosos. Su compasión es evidente a lo largo de toda la película y eso hace que el film sea muy conmovedor.
Los actores y el estupendo guión basado en notables diálogos transforman a este pequeño film en una gran película. La película avanza lenta pero constante y segura de sí misma. Los personajes se vuelven creíbles y todo encaja perfectamente. Al final, el espectador solo puede sentir admiración por la pareja y desear lo mejor para esa pequeña niña que los ha iluminado. Es una película que hace sentir bien al espectador llevándolo de lo que pudo ser un drama a lo que podríamos llamar una comedia de la vida.
5. INVICTUS de Clint Eastwood
Clint Eastwood ha hecho una película notable e inspiradora. No solo ha recreado un episodio de la historia real de un país (Sudáfrica) sino también ha podido reflejar una situación social y pintar a un líder pacifista de raza negra como Nelson Mandela sacándolo del pedestal y volviéndolo un ser humano con una trayectoria política que lo ha transformado en un auténtico padre de la patria.
En un país atrapado por segregación racial, la violencia y la pobreza después de años de Apartheid, la idea de Mandela era organizar un campeonato mundial de Rugby donde el equipo nacional vislumbrara una esperanza, una idea para unir al pueblo. Mandela asumió todo un desafío: se atrevió a nombrar a un blanco como capitán del equipo (Francois Pienaar interpretado por Matt Damon) en un equipo en el cual no faltaban los negros. El objetivo de Mandela era poner las diferencias a un lado y trabajar en unidad.
Morgan Freeman brilla interpretando a Nelson Mandela como presidente de un país pero sobre todo, como un líder nato que predicó el perdón y buscó la unión cuando fue elegido presidente. No solo en su acento y en su prodigioso tono de voz, sino que aporta una verdadera dimensión del líder. En su actuación podemos encontrar un Mandela diplomático tomando té con Francois, otro muy ameno y humano hablando con su familia y otro eminentemente político haciendo un discurso.
Los grandes temas del perdón, la unidad y la determinación de un pueblo se hacen carne en la confrontación deportiva. El equipo de Rugby llega a la comunidad yendo a los barrios marginales y enseñando a jugar a los niños. La visita de Pienaar a la celda de prisión de Mandela para comprender el coraje del hombre es otro momento maravilloso del film. La búsqueda de respaldo al equipo de rugby no es otra cosa que la búsqueda de la unión del pueblo, sobre todo considerando que los Sprinboks se habían constituido en un símbolo del Apartheid para la mayoría blanca. Gran Film de Eastwood.
6. POLICIA, ADJETIVO de Cornelio Porumboiu
Ganador del premio del jurado Un Certain Regard en el Festival de Cannes de 2009, Policía, Adjetivo es el segundo largometraje del director rumano Cornelio Porumboiu quien había debutado con una comedia negra llamada 12:08, Al Este de Bucarest con la cual ganó la Cámara de Oro en Cannes en 2006.
Esta es una película sobre un policía y una cuestión de moral respecto de una denuncia policial sobre un supuesto caso de suministro de marihuana. Un policía, Cristi, es presionado por su superior para que el traficante vaya preso. El problema de Cristi es que no entiende la ley ni a su superior, además no le importa. En consecuencia, no sabe aplicarla. El film es una reflexión sobre la toma de conciencia.
Cristi (Dragos Bucur) es un policía taciturno, vestido de civil que ha desarrollado conciencia sobre la importancia legal que tiene un arresto en una sociedad aún burocrática y poscomunista, donde la ley se aplica con rigidez independientemente de su lógica. Cristi es un policía común, un hombre joven perteneciente a la clase trabajadora que viste todos los días igual y hace su trabajo de manera mecánica y emocionalmente inexpresiva.
Porumboiu pinta ambientes decadentes donde se observan casas viejas y mal mantenidas, armarios oxidados, buzones rotos y computadoras antiguas. Su cine está compuesto de largas tomas, mayormente fijas, con lo cual deliberadamente aumenta el tedio que describe. Dedica largos tramos de la película siguiendo a Cristi haciendo su rutina. Por órdenes de su superior, sigue a Alex, un adolescente de escuela secundaria sospechoso de comprar marihuana y venderlo a sus compañeros, siguiéndolo diariamente de casa en casa y en la escuela con la esperanza de descubrir la fuente de las drogas.
En el curso de su investigación, Cristi se da cuenta de que Alex es solo un niño y no es una amenaza para la sociedad. Tomando notas detalladas, Cristi evita reunirse con su jefe, esperando averiguar el origen de la droga antes de hacer un movimiento, sabiendo que arrestar a un chico de dieciséis años por fumar significará un período de prisión de al menos tres años y posiblemente siete. Finalmente, cuando se le ordena hacer un informe completo y tomar medidas, Cristi se niega a seguir órdenes, aduciendo una cuestión de conciencia. Su Capitán trae un diccionario y le pide que busque las palabras "conciencia", "ley", "moral" y "policía", para aclararle que un oficial de policía debe obedecer la ley, y no imponer su propia moral a una situación. La escena es fría, eficiente y persuasiva.
La principal fortaleza de esta película está en su claridad conceptual y en la precisa dirección de Cornelio Porumboiu. Largos planos estáticos, creando tensiones internas reprimidas, escenas de espera insoportables, cielos plomizos que encierran las acciones, un ritmo sostenido, esta todo dotado de significado y produce en el espectador el impacto donde implícitamente se reconoce que en Rumania algo ha cambiado, pero aún no ha cambiado todo. Resacas del viejo comunismo tales como el autoritarismo aún siguen presentes en la sociedad.
7. THE TOWN de Ben Affleck
Si le pasa algo a ella, los mato a los dos. Esa línea de dialogo define la película, y Ben Affleck la dirige con tanta garra y tanto tacto que la transforma en una obra para el recuerdo. Esta es su segunda película, sin lugar a dudas, la que lo transforma en un gran director. Tres años atrás había realizado Despareció una Noche, donde ya había mostrado sus indudables capacidades narrativas, pero The Town las confirma.
Narrada desde el punto de vista de los ladrones, es decir, los fuera de la ley, el énfasis esta puesto en la lucha por la supervivencia y el deseo de pertenencia. Los Affleck mismos se han nacido y criado en los barrios bajos de Boston y conocen de las pequeñas mafias del lugar. Ese conocimiento hace que la mirada del director sea tan realista como creíble, dado que su personalidad y sensibilidad de artista se impone sobre la narración que tiene entre manos transformando una buena historia en una gran película.
Por eso mismo no es una simple película de gánsters o de persecuciones sin fin sino una obra llena de un profundo humanismo producto de alguien que conoce y ha recorrido esas calles. La acción transcurre en Charleston, un barrio de Boston que suele conocerse como el Centro Mundial de Ladrones de Bancos. El director lo recrea con conocimiento de causa.
Affleck escribe, dirige y actúa sobre la base de la novela de Denis Lehane, el mismo de Mistic River, un novelista catalogado ya como best seller y que tiene varias novelas que suelen transcurrir en el Este más olvidado y salvaje de los Estados Unidos. Su mirada y su narración nos dejan al borde de la butaca esperando siempre que lo peor suceda, como si todo el film estuviera imbuido de un halo trágico que la sitúa en un medio donde el miedo es el factor común.
Con este film Ben Affleck, además, rinde tributo a los grandes narradores americanos. Se podría decir que su film es de una ortodoxia notable donde no se puede dejar de lado las influencias de los grandes directores del pasado como Ford y Hawks hasta los más actuales como Eastwood y Zemeckis. Sin lugar a dudas debería comenzar a reconocérselo como uno de los grandes narradores americanos de nuestro tiempo.
8. SERAPHINE de Martín Provost
Corre 1914. Un coleccionista de arte alemán se instala en un pueblo cerca de Paris con el propósito de escribir sobre su vida. Como necesita una ayuda para la limpieza, contrata a una mujer de unos 40 años quien lo sorprende con su capacidad pictórica.
Provost, un hombre que ha concentrado su cine en el retrato de mujeres (hizo también Violette y Dos Mujeres) es un director sensible e inteligente que ubica sus historias en medio de dificultades sociales y políticas que condicionan el desarrollo de la vida de una mujer que tiene aspiraciones a superarse a sí misma y a su entorno. Son heroínas son casi silenciosas, poco conocidas, pero se transforman en grandes luchadoras para ocupar un lugar, que por más pequeño que sea, es de significancia para ellas al permitirles el reconocimiento público y la trascendencia de su obra.
La historia de Seraphine Louis es corta y pequeña pero está llena de amor por la vida. El director la retrata con cariño, primero cuando es joven y se desempeña como ama de llaves en la casa de un intelectual, y más tarde cuando comienza su obra pictórica que desarrolla con gran talento en sus horas libres logrando cuadros de gran simpleza y belleza.
El estilo de Seraphine es precursor de la pintura hoy conocida como naif. La actuación de Yolande Moreau es lo suficientemente sensible para dar vida a esta mujer simple y taciturna que gozaba de retratar la naturaleza en sus más mínimas expresiones como era pintar una flor en una maceta.
La actuación de Moreau, que es realmente notable, y la sensibilidad puesta en la narración de la historia de un ser absolutamente querible por su sencillez, su candor y su talento, hacen de esta película uno de los sucesos del cine francés de esta temporada.
9. EL ORIGEN de Christopher Nolan
Don Cobb (Leonardo Di Caprio) es un ladrón. Pero no es un ladrón común, sino uno que roba secretos ocultos en el subconsciente de importantes empresarios. Su habilidad lo ha llevado a ser alguien en el espionaje corporativo, pero también lo ha transformado en un fugitivo. Ahora tiene una oportunidad. Un último trabajo que podría liberarlo. En lugar de un robo, Cobb y su equipo deberían hacer lo contrario: plantar una idea en el cerebro de alguien.
Christopher Nolan con esta película no solo escribe uno de sus guiones más brillantes sino que como director muestra una destreza y un perfeccionamiento que lo transforman en una de las más grandes figuras de su generación.
El Origen es un film de una imaginación sin límites a la vez que desde un punto de vista puramente cinematográfico es una obra inteligente y trascendente dado que siendo un relato de gran complejidad narrativa está llevado a la pantalla con un simpleza que seguramente será objeto de imitación en el futuro.
Estamos al mismo tiempo ante una superproducción de Hollywood y un film muy personal, muy bien escrito, lleno de ideas cinematográficas que se traducen en imágenes inolvidables. Obviamente, no estamos ante una película carente de riesgo. Lo que propone Nolan es básicamente un rompecabezas que el espectador deberá terminar de armar una vez finalizada la película. Algo así como el cine después del cine. O sea, pretende que el film permanezca en la mente del espectador como un rompecabezas que debe armar una vez finalizada la función.
El Origen es un film consagratorio para Nolan y lo ubica a Leo Di Caprio como uno de los actores más interesantes de su generación dado que su ductilidad le permite participar tanto de películas orientadas al gran público como aquellas otras cuyas pretensiones intelectuales buscan un público más reducido pero que prefiere un cine más comprometido, intelectual y personal. El Origen consigue el raro privilegio de oscilar entre ambas posiciones manteniendo un infrecuente equilibrio.
10. LA CINTA BLANCA de Michael Hanecke
Unos años antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial se producen algunos raros sucesos en un pueblo de Alemania. Algunos pueden ser catalogados como accidentes. Otros más macabros, como crímenes. Dios está en el cielo, pero en la Tierra no todo guarda su equilibrio. ¿Acaso estamos ante la presencia del Mal?
En La Cinta Blanca, Hanecke se pregunta acerca del origen del mal. Su discurso parece girar en torno a una dicotomía. Por un lado, el mal parece estar enraizado en el ser humano. Por otro, sería la misma sociedad la que lo provoca. Los niños parecen ser la clave. Ocultando algo, comienzan a mirar fijamente a la autoridad a los ojos y practicar lo que se ha predicado (una idea de fascismo y terror). El bien y el mal caen en estricto blanco y negro (dos colores extremos), cada acción tiene una reacción, y un castigo para poner las cosas en su lugar. Además, el castigado deberá usar una cinta blanca para mostrar sus transgresiones y la necesidad de recuperar el derecho a ser libre. El director llena la película de pequeños detalles, creando conspiraciones y misterios sin resolver, lo que nos lleva a creer en pistas falsas que necesitan ser refutadas. Los habitantes de este pueblo, jóvenes y viejos, se deslizan por la ladera resbaladiza del declive moral.
Hanecke ignora deliberadamente la relación entre motivo y culpa para enfocar el problema en un lugar y un tiempo en el que todo parece trastocarse, ello es Alemania durante los primeros 25 años del Siglo XX. Durante este periodo de tiempo parece haberse encontrado con un protestantismo reprimido que da lugar al maltrato y opresión de la mujer, al abuso de niños, la generación de un fetichismo de los valores masculinos, y marcada división social entre ricos y pobres, lo cual genera un fenómeno de aislamiento y desintegración social. El doctor, el sacerdote, el barón y el maestro son personajes claves de la película, tranquilos en la superficie pero profundamente atormentados por un trasfondo de brutalidad, envidia, malicia y apatía.
Si los adultos no se enfrentan a la verdad, y esta verdad puede estar en contra de sus convicciones, ¿quién se levantará y se hará cargo de la situación? Acaso el fascismo no es racismo y genera la ira popular a la vez de dar una respuesta fácil y corrupta a las injusticias sociales. La mirada de Hanecke es esencialmente moral. Observa las raíces psicológicas, educativas y religiosas del nazismo, dejando los aspectos económicos en un segundo plano.
En el film el pueblo oficia como un microcosmos que intenta reflejar a Alemania en su conjunto. Pareciera que Hanecke afirmara con su diagnóstico que los tristes sucesos que le ocurren a la sociedad alemana en los años previos a la segunda guerra son simplemente un anuncio del mal que vendrá después. Los niños de esta película se convertirán en adultos jóvenes cuando Hitler asuma el poder. El pueblo es una incubadora de maldad cuya crueldad dañara a víctimas inocentes. Sus circunstancias son tales que sin darse cuenta se están preparando para llevar a cabo las atrocidades que años más tarde ocurrirán en la Alemania Nazi. La Cinta Blanca, entonces, puede apreciarse como una precuela del ascenso del Tercer Reich.
11. INCENDIES de Dennis Villeneuve
Basado en la obra de teatro Scorched de Wajdi Mouawad, Incendies sigue una trama no lineal que abarca dos generaciones, y su adaptación parece realizada desde una obra literaria. Nawal, la madre de Jeanne y Simón, ha determinado en su testamento que sus hijos deben enviar un sobre a un hermano que vive en el Líbano. Recién después de ello, sus hijos podrán dar a Nawal una sepultura digna. Jeanne se siente obligada a llevar la carta y emprende viaje a Medio Oriente, sin saber que va a descubrir secretos que involucran a su madre. Villeneuve resuelve con una serie de flashbacks los momentos clave en la vida de su madre, revelando a un director muy hábil en la narración cinematográfica.
Estamos ante un misterio que se irá revelando lentamente a través de acciones aparentemente dispares. Villeneuve divide la narrativa del film en dos líneas de tiempo diferentes, un tiempo presente en el cual transcurre el viaje de los hermanos, a la vez que se retrotrae en el tiempo cada vez que aparece un recuerdo de su madre, en donde aparecen vestigios de un ambiente hostil que involucra el honor familiar, así como el fanatismo religioso y militancia política.
Incendies es un film sobre el odio, la venganza y el perdón que pone su mirada y se apoya en las complejas emociones sentidas por todos los personajes involucrados. La película reflexiona sobre la ironía del destino, la fugacidad de la paz y de la guerra, los sentimientos del amor y del odio, la necesidad de venganza y el perdón posterior, de los santos y los pecadores.
Entre las dos historias, tal vez sea descubrir el doloroso viaje de Nawal sea la parte más interesante del film. La otra mitad referencia al viaje de Jeanne y Simon para hurgar en leyes no escritas y encontrarse con comunidades que prefieren mantener el statu quo y no detenerse en reabrir heridas de un pasado vergonzoso. La combinación del film de misterio con el drama de investigación hace de Incendies un film muy particular a la vez que pone en la palestra a un director muy interesante.
12. EL HOMBRRE DE AL LADO de Mariano Cohn y Gasstón Duplat
Esta es la cuarta película de Mariano Cohn y Gastón Duprat. Se trata de un estudio lleno de ironía sobre la inseguridad burguesa en la que las simpatías del espectador cambian gradualmente del protagonista a su aparente enemigo: un vecino grosero que rompe su calma haciendo un agujero en la pared medianera. Detrás de esa pared, vive un vendedor de autos usados, Víctor (Daniel Aráoz), un vecino molesto que está remodelando porque quiere un poco más de luz.
El film reflexiona sobre las relaciones sociales entre las diferentes clases, y va tornándose en un relato de humor negro que desenmascara nuestros estándares morales, las posiciones acomodaticias que no responden a un criterio en particular sino simplemente a la conveniencia de cada momento.
La película desarrolla una historia real y creíble que logra despertar el interés del espectador toda vez que lo que narra es un conflicto cotidiano que se puede referir a cualquiera de los miles de conflictos que se desarrollan en los consorcios de una ciudad como Buenos Aires. Bien filmada, con personajes muy bien perfilados y que rápidamente empatizan con el espectador, con una historia ágil e interesante que es lo suficientemente oscura como para atrapar el interés, pero lo suficientemente real como para hacer sentir que estás ante personajes que representan personas lidiando con su vida cotidiana. La historia que narra es simple e inteligente, lejos de Hollywood, El hombre de al Lado es una película independiente donde prevalece una historia muy bien contada con una mínima producción y sin efectos especiales. MIS MEJORES PELICULAS DEL 2010
1. VINCERE de Marco Bellocchio
Seis años después de Buenos Días, Noche, donde recreó con espíritu crítico el secuestro y la muerte de líder demócrata cristiano Aldo Moros, Marco Bellocchio regresa con otra historia real, la de Ida Dalser (una notable Giovanna Mezzogiorno), una mujer joven que en su juventud se enamoró de Benito Mussolini, quien años más tarde se convertiría en líder del fascismo italiano.
La película narra el derrotero trágico de Ida y su hijo una vez acabada la pasión de su romance con un Mussolini, quien comenzó primero a ser perseguida y luego internada en un manicomio donde el ahora Duce del fascismo italiano le hace la vida imposible para que termine muriendo en el encierro y poder casarse con Clara Petacci.
“Vincere” es representativa de toda la distorsión provocada por el fascismo en la vida y la historia italiana, y combina hábilmente imágenes de archivo con recreaciones, tanto en blanco y negro como en color en los que prevalecen los rojos encendidos y los frices cenicientos que dan una idea cabal de la pasión vivida de una época a la vez de la tremada decadencia en que cae la Italia vencida por la guerra.
Vincere es una mezcla apasionante de tumulto público con tormento privado extraordinariamente dirigido por la maestría de Bellocchio. Llena de pasajes operísticos, cargada de luces y sombras, lluvias y tormentas, deja en claro que la locura no está en Ida sino en el Duce y en un país que se ha vuelto loco detrás de un líder insano.
La escena más inquietante muestra un discurso real de Mussolini en la cima de su poder en el que sus gestos y contorsiones faciales no son solo extraños y amenazantes, sino inequívocamente los de un loco peligroso.
Visualmente exuberante y llena de claroscuros, será sin duda una de las más grandes películas de toda su filmografía.
2. COPIA CERTIFICADA de Abbas Kiarostami
James Miller (interpretado por William Shimell) es un autor británico en una gira por la Toscana, donde presenta una conferencia sobre la originalidad en el arte. Elle (Juliette Binoche) es una curadora de arte que organiza la charla. Al final de la misma discutirán sobre el tema presentado.
Al día siguiente, en una escena típicamente kiarostámica, subirán a un auto y recorrerán la Toscana mientras hablan y discuten sobre arte observando el campo, y conociendo algunos otros personajes del camino.
Uno de esos personajes confunde a la pareja con una pareja casada. Lo que comienza como un juego de roles, desencadenado por el malentendido, adquiere cada vez más aspecto de realidad hasta que la confusión entre realidad y fisión de esa realidad se confunden totalmente.
Llegarán a un hotel, harán el amor, y se preguntarán si están viviendo la realidad o es simplemente una fantasía.
Presentados los personajes, el espectador se pregunta en qué medida la relación entre los dos personajes centrales del film es real, o es una imitación de lo que alguna vez fue real. Y lleva a comparar la vida con el arte. En consecuencia, se pregunta si acaso un cuadro autentico es mejor que una copia certificada para llegarse a preguntar qué es lo real, lo auténtico.
Toda la película es una construcción de este concepto. Kiarostami juega con las diferencias entre la idea de realidad y la de imitación. Todo comienza a girar en torno a la representación o la originalidad frente a la imitación. Los reflejos en los vidrios de ventanas y espejos constituyen un símbolo y un recurso expresivo que profundiza aquellos conceptos.
Como todo su cine, sus personajes siempre están en movimiento, un devenir permanente que los puede estar llevando a alguna parte o a ningún lado. Tampoco se tiene certeza de que vivan una realidad o una simple fantasía. Asi en el cine como en la vida.
3. CARANCHO de Pablo Trapero
El carancho es un pájaro de nuestras pampas que se alimenta de carroña o animales heridos. Así también se les llama a los abogados que pululan por hospitales de conurbano bonaerense en busca de heridos en accidentes de tránsito con el propósito de iniciar juicios contra las compañías de seguros, cobrar los mismos y estafar a las víctimas.
Sosa (Ricardo Darín) es un abogado que ha perdido su licencia y ahora es uno de esos caranchos del título. Luján es una médica de guardias en uno de esos hospitales que atienden a estas clases de víctimas. Su romance será inevitable, pero en el mientras tanto, Trapero realizará una radiografía certera de una forma de ganarse la vida y del decadente estado de situación en que transcurre la vida suburbana en Argentina.
La película transcurre mayormente de noche. Es un film nocturno y abismal que se sumerge en un mundo violento donde todo se maneja por izquierda. Todo es deprimente. Poco hay para rescatar de ese submundo que tan bien describe el director salvo ese romance incipiente entre el abogado y la doctora.
No obstante ello, la pintura realista y el rescate de esa historia de amor hacen de esta película un film duro que se conecta con una realidad de pesadilla que se encuentra simplemente al otro lado de la gran metrópoli argentina. Contada con nervio y abierta con un estilete que llega hasta el propio hueso, se transforma en un documento de una realidad incontrastable que será muy difícil de modificar y llevará mucho tiempo para eliminarla.
No solo es una de las mejores películas de Pablo Trapero sino también un modelo de cine que le sienta bien al propio cine argentino. Un buen argumento, pleno de interés y acción, con un tema actual que hace foco en la situación social. Una excelente realización por parte de su director, un nivel expositivo que nunca niega la realidad sino la confirma, un nivel homogéneo de excelencia en la actuación. Sin lugar a dudas deja huella y muestra un camino.
4. LA PIBELLINA de Tizza Covi y Rinner Frimmel
Basada en un caso real, relata la historia de dos marginales que rescatan a una pequeña niña en los suburbios de la ciudad de Roma.
La pareja Covi/Frimmel lo hace a través de una cámara inquieta que comienza siguiendo a una mujer que busca a su perro en un parque de la ciudad. De pronto ve una niña, vestida con un traje de baño color rosa, que se columpia en los juegos. La niña está sola y desamparada. La mujer la lleva consigo y le da de comer.
El film apunta directo al corazón pero jamás pega un golpe bajo. Nos habla de la vida de dos artistas trashumantes que trabajan en un pequeño circo con el cual recorren toda Italia y se ganan la vida. Tienen poco para compartir pero un corazón muy grande. Rescatan a esta pequeña niña, le dan de comer, le bridan todo su amor y comienzan a criarla como su fuera una hija.
La película se detiene detallando la relación que se desarrolla entre ellos como pareja, y de cada uno de ellos con la niña generando un sentimiento de paternidad interesante y creíble. Sin grandes ambiciones pero con grandes influencias del neorrealismo, y del espíritu moderno de los hermanos Dardenne, el film se transforma en un gran fresco social.
El film impone la idea del compartir que se impone con fuerza dado que sus personajes son dos desposeídos que tienen que trabajar cada día de su vida para poder comer, y que sin embargo, ante ese ser abandonado, no solo lo rescatan sino que lo alimentan y lo comienzan a educar en un notable acto de amor y desprendimiento. Además, lo hacen de manera simple y lineal como si ese acto en cuestión hubiera sido iluminado por una luz divina.
Ese acto, además, los hace nobles y virtuosos. Su compasión es evidente a lo largo de toda la película y eso hace que el film sea muy conmovedor.
Los actores y el estupendo guión basado en notables diálogos transforman a este pequeño film en una gran película. La película avanza lenta pero constante y segura de sí misma. Los personajes se vuelven creíbles y todo encaja perfectamente. Al final, el espectador solo puede sentir admiración por la pareja y desear lo mejor para esa pequeña niña que los ha iluminado. Es una película que hace sentir bien al espectador llevándolo de lo que pudo ser un drama a lo que podríamos llamar una comedia de la vida.
5. INVICTUS de Clint Eastwood
Clint Eastwood ha hecho una película notable e inspiradora. No solo ha recreado un episodio de la historia real de un país (Sudáfrica) sino también ha podido reflejar una situación social y pintar a un líder pacifista de raza negra como Nelson Mandela sacándolo del pedestal y volviéndolo un ser humano con una trayectoria política que lo ha transformado en un auténtico padre de la patria.
En un país atrapado por segregación racial, la violencia y la pobreza después de años de Apartheid, la idea de Mandela era organizar un campeonato mundial de Rugby donde el equipo nacional vislumbrara una esperanza, una idea para unir al pueblo. Mandela asumió todo un desafío: se atrevió a nombrar a un blanco como capitán del equipo (Francois Pienaar interpretado por Matt Damon) en un equipo en el cual no faltaban los negros. El objetivo de Mandela era poner las diferencias a un lado y trabajar en unidad.
Morgan Freeman brilla interpretando a Nelson Mandela como presidente de un país pero sobre todo, como un líder nato que predicó el perdón y buscó la unión cuando fue elegido presidente. No solo en su acento y en su prodigioso tono de voz, sino que aporta una verdadera dimensión del líder. En su actuación podemos encontrar un Mandela diplomático tomando té con Francois, otro muy ameno y humano hablando con su familia y otro eminentemente político haciendo un discurso.
Los grandes temas del perdón, la unidad y la determinación de un pueblo se hacen carne en la confrontación deportiva. El equipo de Rugby llega a la comunidad yendo a los barrios marginales y enseñando a jugar a los niños. La visita de Pienaar a la celda de prisión de Mandela para comprender el coraje del hombre es otro momento maravilloso del film. La búsqueda de respaldo al equipo de rugby no es otra cosa que la búsqueda de la unión del pueblo, sobre todo considerando que los Sprinboks se habían constituido en un símbolo del Apartheid para la mayoría blanca. Gran Film de Eastwood.
6. POLICIA, ADJETIVO de Cornelio Porumboiu
Ganador del premio del jurado Un Certain Regard en el Festival de Cannes de 2009, Policía, Adjetivo es el segundo largometraje del director rumano Cornelio Porumboiu quien había debutado con una comedia negra llamada 12:08, Al Este de Bucarest con la cual ganó la Cámara de Oro en Cannes en 2006.
Esta es una película sobre un policía y una cuestión de moral respecto de una denuncia policial sobre un supuesto caso de suministro de marihuana. Un policía, Cristi, es presionado por su superior para que el traficante vaya preso. El problema de Cristi es que no entiende la ley ni a su superior, además no le importa. En consecuencia, no sabe aplicarla. El film es una reflexión sobre la toma de conciencia.
Cristi (Dragos Bucur) es un policía taciturno, vestido de civil que ha desarrollado conciencia sobre la importancia legal que tiene un arresto en una sociedad aún burocrática y poscomunista, donde la ley se aplica con rigidez independientemente de su lógica. Cristi es un policía común, un hombre joven perteneciente a la clase trabajadora que viste todos los días igual y hace su trabajo de manera mecánica y emocionalmente inexpresiva.
Porumboiu pinta ambientes decadentes donde se observan casas viejas y mal mantenidas, armarios oxidados, buzones rotos y computadoras antiguas. Su cine está compuesto de largas tomas, mayormente fijas, con lo cual deliberadamente aumenta el tedio que describe. Dedica largos tramos de la película siguiendo a Cristi haciendo su rutina. Por órdenes de su superior, sigue a Alex, un adolescente de escuela secundaria sospechoso de comprar marihuana y venderlo a sus compañeros, siguiéndolo diariamente de casa en casa y en la escuela con la esperanza de descubrir la fuente de las drogas.
En el curso de su investigación, Cristi se da cuenta de que Alex es solo un niño y no es una amenaza para la sociedad. Tomando notas detalladas, Cristi evita reunirse con su jefe, esperando averiguar el origen de la droga antes de hacer un movimiento, sabiendo que arrestar a un chico de dieciséis años por fumar significará un período de prisión de al menos tres años y posiblemente siete. Finalmente, cuando se le ordena hacer un informe completo y tomar medidas, Cristi se niega a seguir órdenes, aduciendo una cuestión de conciencia. Su Capitán trae un diccionario y le pide que busque las palabras "conciencia", "ley", "moral" y "policía", para aclararle que un oficial de policía debe obedecer la ley, y no imponer su propia moral a una situación. La escena es fría, eficiente y persuasiva.
La principal fortaleza de esta película está en su claridad conceptual y en la precisa dirección de Cornelio Porumboiu. Largos planos estáticos, creando tensiones internas reprimidas, escenas de espera insoportables, cielos plomizos que encierran las acciones, un ritmo sostenido, esta todo dotado de significado y produce en el espectador el impacto donde implícitamente se reconoce que en Rumania algo ha cambiado, pero aún no ha cambiado todo. Resacas del viejo comunismo tales como el autoritarismo aún siguen presentes en la sociedad.
7. THE TOWN de Ben Affleck
Si le pasa algo a ella, los mato a los dos. Esa línea de dialogo define la película, y Ben Affleck la dirige con tanta garra y tanto tacto que la transforma en una obra para el recuerdo. Esta es su segunda película, sin lugar a dudas, la que lo transforma en un gran director. Tres años atrás había realizado Despareció una Noche, donde ya había mostrado sus indudables capacidades narrativas, pero The Town las confirma.
Narrada desde el punto de vista de los ladrones, es decir, los fuera de la ley, el énfasis esta puesto en la lucha por la supervivencia y el deseo de pertenencia. Los Affleck mismos se han nacido y criado en los barrios bajos de Boston y conocen de las pequeñas mafias del lugar. Ese conocimiento hace que la mirada del director sea tan realista como creíble, dado que su personalidad y sensibilidad de artista se impone sobre la narración que tiene entre manos transformando una buena historia en una gran película.
Por eso mismo no es una simple película de gánsters o de persecuciones sin fin sino una obra llena de un profundo humanismo producto de alguien que conoce y ha recorrido esas calles. La acción transcurre en Charleston, un barrio de Boston que suele conocerse como el Centro Mundial de Ladrones de Bancos. El director lo recrea con conocimiento de causa.
Affleck escribe, dirige y actúa sobre la base de la novela de Denis Lehane, el mismo de Mistic River, un novelista catalogado ya como best seller y que tiene varias novelas que suelen transcurrir en el Este más olvidado y salvaje de los Estados Unidos. Su mirada y su narración nos dejan al borde de la butaca esperando siempre que lo peor suceda, como si todo el film estuviera imbuido de un halo trágico que la sitúa en un medio donde el miedo es el factor común.
Con este film Ben Affleck, además, rinde tributo a los grandes narradores americanos. Se podría decir que su film es de una ortodoxia notable donde no se puede dejar de lado las influencias de los grandes directores del pasado como Ford y Hawks hasta los más actuales como Eastwood y Zemeckis. Sin lugar a dudas debería comenzar a reconocérselo como uno de los grandes narradores americanos de nuestro tiempo.
8. SERAPHINE de Martín Provost
Corre 1914. Un coleccionista de arte alemán se instala en un pueblo cerca de Paris con el propósito de escribir sobre su vida. Como necesita una ayuda para la limpieza, contrata a una mujer de unos 40 años quien lo sorprende con su capacidad pictórica.
Provost, un hombre que ha concentrado su cine en el retrato de mujeres (hizo también Violette y Dos Mujeres) es un director sensible e inteligente que ubica sus historias en medio de dificultades sociales y políticas que condicionan el desarrollo de la vida de una mujer que tiene aspiraciones a superarse a sí misma y a su entorno. Son heroínas son casi silenciosas, poco conocidas, pero se transforman en grandes luchadoras para ocupar un lugar, que por más pequeño que sea, es de significancia para ellas al permitirles el reconocimiento público y la trascendencia de su obra.
La historia de Seraphine Louis es corta y pequeña pero está llena de amor por la vida. El director la retrata con cariño, primero cuando es joven y se desempeña como ama de llaves en la casa de un intelectual, y más tarde cuando comienza su obra pictórica que desarrolla con gran talento en sus horas libres logrando cuadros de gran simpleza y belleza.
El estilo de Seraphine es precursor de la pintura hoy conocida como naif. La actuación de Yolande Moreau es lo suficientemente sensible para dar vida a esta mujer simple y taciturna que gozaba de retratar la naturaleza en sus más mínimas expresiones como era pintar una flor en una maceta.
La actuación de Moreau, que es realmente notable, y la sensibilidad puesta en la narración de la historia de un ser absolutamente querible por su sencillez, su candor y su talento, hacen de esta película uno de los sucesos del cine francés de esta temporada.
9. EL ORIGEN de Christopher Nolan
Don Cobb (Leonardo Di Caprio) es un ladrón. Pero no es un ladrón común, sino uno que roba secretos ocultos en el subconsciente de importantes empresarios. Su habilidad lo ha llevado a ser alguien en el espionaje corporativo, pero también lo ha transformado en un fugitivo. Ahora tiene una oportunidad. Un último trabajo que podría liberarlo. En lugar de un robo, Cobb y su equipo deberían hacer lo contrario: plantar una idea en el cerebro de alguien.
Christopher Nolan con esta película no solo escribe uno de sus guiones más brillantes sino que como director muestra una destreza y un perfeccionamiento que lo transforman en una de las más grandes figuras de su generación.
El Origen es un film de una imaginación sin límites a la vez que desde un punto de vista puramente cinematográfico es una obra inteligente y trascendente dado que siendo un relato de gran complejidad narrativa está llevado a la pantalla con un simpleza que seguramente será objeto de imitación en el futuro.
Estamos al mismo tiempo ante una superproducción de Hollywood y un film muy personal, muy bien escrito, lleno de ideas cinematográficas que se traducen en imágenes inolvidables. Obviamente, no estamos ante una película carente de riesgo. Lo que propone Nolan es básicamente un rompecabezas que el espectador deberá terminar de armar una vez finalizada la película. Algo así como el cine después del cine. O sea, pretende que el film permanezca en la mente del espectador como un rompecabezas que debe armar una vez finalizada la función.
El Origen es un film consagratorio para Nolan y lo ubica a Leo Di Caprio como uno de los actores más interesantes de su generación dado que su ductilidad le permite participar tanto de películas orientadas al gran público como aquellas otras cuyas pretensiones intelectuales buscan un público más reducido pero que prefiere un cine más comprometido, intelectual y personal. El Origen consigue el raro privilegio de oscilar entre ambas posiciones manteniendo un infrecuente equilibrio.
10. LA CINTA BLANCA de Michael Hanecke
Unos años antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial se producen algunos raros sucesos en un pueblo de Alemania. Algunos pueden ser catalogados como accidentes. Otros más macabros, como crímenes. Dios está en el cielo, pero en la Tierra no todo guarda su equilibrio. ¿Acaso estamos ante la presencia del Mal?
En La Cinta Blanca, Hanecke se pregunta acerca del origen del mal. Su discurso parece girar en torno a una dicotomía. Por un lado, el mal parece estar enraizado en el ser humano. Por otro, sería la misma sociedad la que lo provoca. Los niños parecen ser la clave. Ocultando algo, comienzan a mirar fijamente a la autoridad a los ojos y practicar lo que se ha predicado (una idea de fascismo y terror). El bien y el mal caen en estricto blanco y negro (dos colores extremos), cada acción tiene una reacción, y un castigo para poner las cosas en su lugar. Además, el castigado deberá usar una cinta blanca para mostrar sus transgresiones y la necesidad de recuperar el derecho a ser libre. El director llena la película de pequeños detalles, creando conspiraciones y misterios sin resolver, lo que nos lleva a creer en pistas falsas que necesitan ser refutadas. Los habitantes de este pueblo, jóvenes y viejos, se deslizan por la ladera resbaladiza del declive moral.
Hanecke ignora deliberadamente la relación entre motivo y culpa para enfocar el problema en un lugar y un tiempo en el que todo parece trastocarse, ello es Alemania durante los primeros 25 años del Siglo XX. Durante este periodo de tiempo parece haberse encontrado con un protestantismo reprimido que da lugar al maltrato y opresión de la mujer, al abuso de niños, la generación de un fetichismo de los valores masculinos, y marcada división social entre ricos y pobres, lo cual genera un fenómeno de aislamiento y desintegración social. El doctor, el sacerdote, el barón y el maestro son personajes claves de la película, tranquilos en la superficie pero profundamente atormentados por un trasfondo de brutalidad, envidia, malicia y apatía.
Si los adultos no se enfrentan a la verdad, y esta verdad puede estar en contra de sus convicciones, ¿quién se levantará y se hará cargo de la situación? Acaso el fascismo no es racismo y genera la ira popular a la vez de dar una respuesta fácil y corrupta a las injusticias sociales. La mirada de Hanecke es esencialmente moral. Observa las raíces psicológicas, educativas y religiosas del nazismo, dejando los aspectos económicos en un segundo plano.
En el film el pueblo oficia como un microcosmos que intenta reflejar a Alemania en su conjunto. Pareciera que Hanecke afirmara con su diagnóstico que los tristes sucesos que le ocurren a la sociedad alemana en los años previos a la segunda guerra son simplemente un anuncio del mal que vendrá después. Los niños de esta película se convertirán en adultos jóvenes cuando Hitler asuma el poder. El pueblo es una incubadora de maldad cuya crueldad dañara a víctimas inocentes. Sus circunstancias son tales que sin darse cuenta se están preparando para llevar a cabo las atrocidades que años más tarde ocurrirán en la Alemania Nazi. La Cinta Blanca, entonces, puede apreciarse como una precuela del ascenso del Tercer Reich.
11. INCENDIES de Dennis Villeneuve
Basado en la obra de teatro Scorched de Wajdi Mouawad, Incendies sigue una trama no lineal que abarca dos generaciones, y su adaptación parece realizada desde una obra literaria. Nawal, la madre de Jeanne y Simón, ha determinado en su testamento que sus hijos deben enviar un sobre a un hermano que vive en el Líbano. Recién después de ello, sus hijos podrán dar a Nawal una sepultura digna. Jeanne se siente obligada a llevar la carta y emprende viaje a Medio Oriente, sin saber que va a descubrir secretos que involucran a su madre. Villeneuve resuelve con una serie de flashbacks los momentos clave en la vida de su madre, revelando a un director muy hábil en la narración cinematográfica.
Estamos ante un misterio que se irá revelando lentamente a través de acciones aparentemente dispares. Villeneuve divide la narrativa del film en dos líneas de tiempo diferentes, un tiempo presente en el cual transcurre el viaje de los hermanos, a la vez que se retrotrae en el tiempo cada vez que aparece un recuerdo de su madre, en donde aparecen vestigios de un ambiente hostil que involucra el honor familiar, así como el fanatismo religioso y militancia política.
Incendies es un film sobre el odio, la venganza y el perdón que pone su mirada y se apoya en las complejas emociones sentidas por todos los personajes involucrados. La película reflexiona sobre la ironía del destino, la fugacidad de la paz y de la guerra, los sentimientos del amor y del odio, la necesidad de venganza y el perdón posterior, de los santos y los pecadores.
Entre las dos historias, tal vez sea descubrir el doloroso viaje de Nawal sea la parte más interesante del film. La otra mitad referencia al viaje de Jeanne y Simon para hurgar en leyes no escritas y encontrarse con comunidades que prefieren mantener el statu quo y no detenerse en reabrir heridas de un pasado vergonzoso. La combinación del film de misterio con el drama de investigación hace de Incendies un film muy particular a la vez que pone en la palestra a un director muy interesante.
12. EL HOMBRRE DE AL LADO de Mariano Cohn y Gasstón Duplat
Esta es la cuarta película de Mariano Cohn y Gastón Duprat. Se trata de un estudio lleno de ironía sobre la inseguridad burguesa en la que las simpatías del espectador cambian gradualmente del protagonista a su aparente enemigo: un vecino grosero que rompe su calma haciendo un agujero en la pared medianera. Detrás de esa pared, vive un vendedor de autos usados, Víctor (Daniel Aráoz), un vecino molesto que está remodelando porque quiere un poco más de luz.
El film reflexiona sobre las relaciones sociales entre las diferentes clases, y va tornándose en un relato de humor negro que desenmascara nuestros estándares morales, las posiciones acomodaticias que no responden a un criterio en particular sino simplemente a la conveniencia de cada momento.
La película desarrolla una historia real y creíble que logra despertar el interés del espectador toda vez que lo que narra es un conflicto cotidiano que se puede referir a cualquiera de los miles de conflictos que se desarrollan en los consorcios de una ciudad como Buenos Aires. Bien filmada, con personajes muy bien perfilados y que rápidamente empatizan con el espectador, con una historia ágil e interesante que es lo suficientemente oscura como para atrapar el interés, pero lo suficientemente real como para hacer sentir que estás ante personajes que representan personas lidiando con su vida cotidiana. La historia que narra es simple e inteligente, lejos de Hollywood, El hombre de al Lado es una película independiente donde prevalece una historia muy bien contada con una mínima producción y sin efectos especiales.
OTRAS PELICULAS VISTAS DURANTE 2010
2010-11-14 AMAR, COMER, REZAR Y VILLA AMALIA
"Amar, comer, rezar" y "Villa Amalia" son películas que se asemejan Ambas tienen como protagonistas a dos mujeres en una etapa crítica de sus vidas producida por la infidelidad de sus respectivos maridos. Pero son diametralmente opuestas en la narrativa. Una responde al típico modelo americano. Una narración clara, clásica, con un principio, un durante, y un después. La francesa que vi ayer, con Isabelle Huppert, una de las más grandes actrices francesas de todos los tiempos, es un viaje absolutamente interior de una mujer que no solo quiere, sino que necesita romper con su pasado a partir de este mismo hecho. No es una historia sobre la ruptura sino sobre la mutación, de la transformación en otra. Me pareció muy interesante aunque no me gustó del todo el final.
2010-11-7 AGORA de Alejandro Amenábar
Ágora es una gran superproducción donde participan capitales españoles, ingleses y americanos que hace recordar a películas que veíamos cuando éramos chicos. La película me resulto entretenida pero no me gustó mucho, aunque al final me resultó más interesante que al principio. Transcurre justo en los años de la caída del imperio romano en Alejandría. Allí vive Aphatia, una astrónoma y profesora que es hija del director de la famosa biblioteca. Aphatia es una mujer joven e intelectual en medio de un mundo de cambios manejados por hombres violentos. Mientras Aphatia se acerca con sus ideas a Galileo y a Kepler, el cristianismo avanza a paso redoblado, primero somete al judaísmo, luego va por los paganos, y finalmente va por el Imperio. O sea, la peli se transforma en un alegato contra la intolerancia religiosa y termina por justificar las dos horas que uno perdió en ella.
2010-11-5 WALL STREET 2 de Oliver Stone
Vi Wall Street 2, como también había visto la WS 1 hace 23 años atrás. Lo que más me gustó es la forma didáctica con que explica la crisis económica. La película, aunque en forma crítica, explica la reciente crisis económica en forma simple y sencilla, y lo más importante es que le da un marco adecuado a toda la trama que pinta. Pareciera que los personajes de la película viven vidas vacías. Pero, ¿qué es una vida llena, completa? ¿Por qué la vida que muestra el film nos parece vacía? ¿Acaso esos personajes no tienen hijos, maridos, esposas? ¿No sufren por amor? ¿Es que todo pasa por el dinero?
Wall Street es una película que critica los abusos del sistema. Pero, pienso, que sus protagonistas son males necesarios para el sistema. Dentro de un sistema capitalista como el que vivimos, el especulador cumple un rol para poder asegurar la existencia del productor. Este pensamiento es muy raro pero perfectamente racional a la hora de estudiar economía. Sino por qué la gente compra seguros. Alguna vez llegaste a pensar que una empresa de seguros es una empresa especulativa? En una transacción siempre hay dos puntas. Cuando se trata de operaciones a futuro, el que vende a futuro trata de asegurar un precio, pero el que compra especula con que compra a un precio a futuro será inferior al presente. Fíjate que esta contraparte “especulativa”, es necesaria para el desenvolvimiento de los negocios.
De eso habla Wall Street. De ese pensamiento se nutre un personaje como Gordon Gekko. No entender estas cuestiones es básico para poder entender el problema. Wall Street 2 lo explica en forma simple y contundente.
2010-10-30 AMERRIKA de Cherien Dabis
Una muy buena película de una directora de origen jordano, afincada en USA, que narra la historia de una mujer y su hijo que emigran de Cisjordania a Illinois, y básicamente, experimentan la xenofobia de los americanos para con el mundo árabe. Es una película muy interesante, porque sobre todo, te das cuenta que ellos no pueden vivir en ningún lugar en paz. Además, muestra lo difícil de las relaciones familiares (padres separados y ausentes) y los problemas de adaptación al nuevo medio. La película comienza en Belen, donde nació Jesus.
2010-10-1 LA FAMILIA (The Kids Are All Right) de Lisa Cholodenko
Una película americana bastante interesante que en inglés, más apropiadamente, lleva el título "The Kids are all right". Se trata de una familia compuesta por dos mujeres lesbianas con dos hijos adolescentes (niña de 18 y varón de 15), a los cuales comienza a picarles el bichito de la curiosidad por saber quién es el padre. La película adopta el tono de comedia, con lo cual, se hace muy digerible. Lamentablemente, en lo social, se hace la distraída respecto del tema matrimonial y lo acepta como un hecho, pero lo bueno que tiene, es que refleja muy bien la cuestión generacional de padres e hijos en una época, en que para mí, el viejo patriarcado ha desaparecido, cierto autoritarismo ha tornado en democracia directa, y en consecuencia se han agudizado los conflictos entre padres e hijos. Todo ello muy light y muy bien actuado.