François Truffaut (1932 – 1984)
Director, guionista y actor de cine. Nació y murió en Paris, Francia. Gran parte de su filmografía está marcada por su infancia y su adolescencia, que reflejó con una maestría llamativa en su primera película, Los Cuatrocientos Golpes (1959), en el que su joven protagonista, Antoine Doinel, se convierte su álter ego, interpretado por Jean-Pierre Leaud.
En su infancia, Truffaut abandonó tempranamente sus estudios. Era un solitario que se evadía en los libros y el cine, un devorador de cine y un gran lector cuyo escritor favorito era Honoré Balzac. Nunca fue un buen alumno, dejó el colegio a los 14 años y comenzó a trabajar. A los 15, en 1947, fundó un club de cine y conoció a André Bazin, un crítico francés, una persona fundamental en su vida, que se convierte en su padre postizo. El cine club le genera problemas económicos, y por no pagar las facturas, es encerrado en un reformatorio. Bazin acude en su ayuda, logra liberarlo, y lo alienta a escribir sobre cine.
En 1950 accedió al ejército francés con la esperanza de ser asignado al cuerpo de cine documentalista, pero no tuvo suerte. Como consecuencia de ello, desertó. Fue capturado y enjuiciado. Sus incorrecciones determinaron su baja del ejército en condiciones deshonrosas.
Buscó a Bazin. En 1953, bajo su padrinazgo, comienza a publicar sus primeras críticas cinematográficas en "Les Cahiers du Cinema". En aquella época dorada para el cine francés, Truffaut y sus colegas se convirtieron en abanderados del cine de autor.
Uno de sus primeros y más combativos artículos, «Una cierta tendencia del cine francés» (1954), levantó una gran polémica por la crítica que realizó sobre el estrato cinematográfico de su país, promoviendo la teoría del cine de autor de Alexandre Astruc que privilegiaba la visión personal del director como base del proyecto cinematográfico, con formalismos menos rígidos, escaso presupuesto, mayor empleo de localizaciones naturales, retratos de emociones y situaciones íntimas, cotidianas, existenciales…
En 1954, se convierte en cineasta y dirige su primer cortometraje. Dos años después, ayudó a con algunos proyectos que nunca prosperaron.
La tendencia mencionada se asentó con la llamada “nouvelle vague”, movimiento del que formaron parte el propio François Truffaut, y otros colegas de la revista como Jean-Luc Godard o Claude Chabrol. Estos cinéfilos / cineastas admiraban el estilo del neorrealismo italiano, el realismo poético, y el Hollywood clásico, respetando autores como los franceses Jean Renoir o Jean Vigo, americanos como Alfred Hitchcock, Howard Hawks, Orson Welles o John Ford, o algunas figuras independientes de diversos países como el japonés Yasujiro Ozu, el dinamarqués Carl Theodore Dreyer, los franceses Robert Bresson y Jacques Tati, el español Luis Buñuel o, el sueco Ingmar Bergman.
Su siguiente paso fue convertirse en realizador cinematográfico, generando una nueva forma de expresión, más realista y libre de los defectos y concesiones que sus críticas denunciaban, tales como el culto a las estrellas.
El 1957 fundó la productora Les Films du Carrosse. Ya consolidado como crítico cinematográfico dirige Los Mocosos (1957), un cortometraje que se considera su primer paso cinematográfico. Dos años después debuta en el largometraje logrando un éxito inesperado: Los Cuatrocientos Golpes (1959), considerado el inicio de un movimiento artístico conocido como “la Novelle Vague”. Un movimiento que no sólo defendía la más absoluta libertad de expresión, sino también la libertad técnica en el campo de la producción fílmica. Su objetivo era retratar la vida tal cual es, buscando el significado del "aquí y ahora". La Nueva Ola francesa tenía como propósito hacer películas inspiradas en la vida misma que sucedía alrededor del cineasta.
Los 400 Golpes no sólo será su debut detrás de la cámara en un largometraje, sino también el primer film cuyo protagonista es su alter ego: Antoine Doinel. La película fue un éxito crítico y François fue galardonado en Cannes con el premio al mejor director del certamen. Más tarde, continuará narrando la vida de Antoine en los siguientes títulos, siempre encarnado por Jean-Pierre Leaud: El Amor a los Veinte Años (1962); Besos Robados (1968); Domicilio Conyugal (1970) y El Amor en Fuga (199). El conjunto de cinco películas es conocido como "Las aventuras de Antoine Doinel".
Un año después colaboró en el guión de “Al Final De La Escapada” (1960), película emblemática del movimiento, dirigida por Jean-Luc Godard, y continúa su carrera como director con otros títulos igualmente exitosos, entre ellos: Jules et Jim (1961), La Novia Vestía de Negro (1967), La Noche Americana (1973), El Último Metro (1980); La Mujer de al Lado (1981). En 1983 filmaría su film póstumo: Vivamente el Domingo (1983).
La gran mayoría de estas películas fueron producidas por el mismo Truffaut, quien también colaboraba en la redacción de los guiones y gustaba de la actuación. En esta última faceta es destacable su intervención en el filme de Steven Spielberg “Encuentros Cercanos del Tercer Tipo”. Como autor, escribió el excelente libro de entrevistas a Alfred Hitchcock titulado El Cine Según Hitchcock, una herramienta fundamental para los estudiantes de cine.
Truffaut fue el director de cine francés más popular y exitoso de todos los tiempos. Sus temas principales fueron la infancia, la mujer, la fidelidad y la pasión. Una encuesta de la Revista Entertaiment Weekly lo coloca en el puesto 27 entre los mejores directores de cine de todos los tiempos. Truffaut también fue miembro del jurado en el Festival de Cine de Cannes en 1962, y dirigió dos actrices ganadoras de los premios Oscar: Valentina Cortese (Mejor Actriz de Reparto por La Noche Americana (1973)) e Isabelle Adjani (Mejor Actriz por Diario Íntimo de Adela H. (1975)).
Truffaut murió el 21 de octubre de 1984. Su sepultura puede visitarse en el cementerio “Montmartre” de Paris, Francia.
Los 28 largometrajes de Francois Truffaut
Los Cuatrocientos Golpes (1959); Disparen Sobre el Pianista (1960); Jules y Jim (1962); La Piel Suave (1964) ; Fahrenheit 451 (1966); La Novia Vestía de Negro (1968);; 1968 Besos Robados; La sirena del Mississippi (1969); El Niño Salvaje (1970); Domicilio Conyugal (1970); Las Dos Inglesas (1971); Una Chica Tan Decente Como Yo (1972); La Noche Americana (1973); Diario Íntimo de Adela H.(1975); La Piel Dura (1976); El Amante del Amor (1977); La Habitación Verde (1978); El Amor en Fuga (1979); El Último Metro (1980); La Mujer de al Lado (1981); Vivamente el Domingo (1983)
5 Películas Imprescindibles de ver del genio francés
Los Cuatrocientos Golpes (1959)
Los 400 Golpes retrata la tristeza de un niño confundido, preocupado y falto de amor que cada vez que intenta expresarse es censurado o reprimido. No es un típico niño de la calle. Antoine lee a Balzac y transmite sus emociones. No obstante, nadie lo escucha ni se preocupa por él. Tiene problemas tanto en el hogar como en la escuela. Su padres son estrictos y sus maestros duros y opresivos. Cae en la delincuencia debido a su infelicidad. Comete todo tipo de improperio: miente, roba, falta a la escuela y termina huyendo de su casa. Ignorado y descuidado es apartado por su pésimo comportamiento en clase. Aparentemente, la suerte nunca está de su lado.
A los 12 años, regresa a su casa encontrando una vida triste e infeliz. Su casa es un hogar pobre. Sus padres son adúlteros, no están mucho tiempo en la casa y no le prestan suficiente atención a su hijo. Solo lo juzgan por su mal comportamiento y por los informes que reciben de terceras personas.
La escuela tampoco lo contiene. Su vida se transforma en una cadena de mentiras y pequeños robos. Sus padres no pueden con él y dejan que la policía lo detenga. Es enviado a un reformatorio juvenil. No obstante, logra escapar. Antoine se vuelve un perdedor que más tarde terminará en un centro de delincuencia juvenil.
Finalmente encontrará refugio en su amor por el cine. En una escena, su madre sugiere ver una película. A la salida, vemos al trío volver en el auto, riendo y reflexionando sobre lo que habían visto. Casi una definición del cine de Truffaut. Ir al cine, ver una película, discutir sobre la misma, sentirse feliz.
Pronto necesitará liberarse y descubrir lo que el mundo puede ofrecer fuera de los límites de la vida cotidiana. Truffaut presenta su propio caso en forma realista, lejos de las formas utilizadas en una película americana y del sistema de estrellas.
En Los 400 Golpes puede encontrarse un cine nuevo, refrescante y abrumador a la vez. Es una película de apariencia simple pero a la vez, compleja. Su carácter autobiográfico lo convierte en una enciclopedia de sentimientos personales, opiniones con matices provenientes de una introspección. La delincuencia juvenil es su tema clave. Antoine, que es un personaje que ama la libertad, es encerrado represivamente lo que le provoca una imperiosa necesidad de estar siempre libre.
Gran parte de los elogios del film se deben a la actuación de Jean-Pierre Leaud, cuya espontaneidad es tal que nunca parece estar actuando. Cada uno de sus movimientos, pensamientos y expresiones son totalmente naturales.
Las principales innovaciones técnicas de Truffaut en este film están en el uso de los movimientos y los ángulos que toma la cámara. Truffaut mueve la cámara suavemente. El espectador opera como un testigo oculto de la vida real. La toma larga del final de la película en la que vemos a Antoine corriendo hacia el mar, corte, luego una vista panorámica, es todo un manifiesto del nuevo estilo. También filma desde ángulos difíciles como los tomados desde debajo de la Torre Eiffel. O nos sorprende con un falso apagón, cuando Antoine baja las escaleras para tirar la basura. O nos muestra sentimientos escondidos a través de primeros planos: la escena en la que Antoine le miente a su padre diciéndole que no tomó su mapa.
Sin embargo, la diferencia más importante entre el cine anterior y estos cambios están en el tratamiento de la acción. Truffaut es un observador, un fotógrafo del alma. Se deleita filmando escenas casuales y largas: el niño arrancando páginas de su cuaderno; la llegada de Antoine a su casa vacía; los tres reflejos en el espejo de su madre… Tomas largas pero no lentas que mantienen una tensión interior, como si los actos y las decisiones cotidianas pudieran ser heroicos y transmisores de un mayor interés, provocando atracción. Es un cine ficcional con apariencia documental.
Esta película es la descripción de la actitud de vida de un espíritu independiente a través de la mirada autobiográfica de su director. A su vez, es el inicio de lo que hoy llamamos Cine de Autor.
Jules y Jim (1962)
Poema visual sobre el paso del tiempo y el crecimiento de una amistad inusual. Jules, Jim y Catherine, forman un trio de una gran madurez en su relación tripartita. Es una película que trata sobre el amor profundo, la amistad y el vínculo emocional entre dos hombres y una mujer, sin la competitividad habitual ni el control posesivo. Parece que entre ellos no existiera una pertenencia real. Los caprichos del corazón de Catherine se discuten en cada escena a lo largo de la película y ellos están dispuestos a aceptarlos y amarla por lo que ella es.
Jules et Jim es poesía cinematográfica. Un hermoso poema visual sobre el paso del tiempo y el crecimiento de una amistad inusual. Las relaciones siempre fluctuantes entre los personajes permiten ir hacia un paseo naturalista a través del amor y la amistad. Truffaut es un cineasta poético.
Las reflexiones filosóficas de los dos hombres en el film se contrarrestan con la brillante y aireada amoralidad de Moreau. Ella provoca un radicalismo y una sensación de imprevisibilidad que es encantadora y además, completamente inocente y benigna. La voluntad instintiva de Moreau la convierte en una egoísta que busca atención, pero sin eso esta película no podría ser tan sorprendente y liberadora.
Truffaut no se adhiere a una forma narrativa rígida, y permite que la corriente del diálogo y la fortuna siempre cambiante de las relaciones erráticas de Moreau con los dos hombres dicten la estructura.
La mayoría de las historias de amor francesas a menudo se basan en un diálogo de frases ingeniosas, observaciones y expresiones de amor o desesperación. Puede desplazarse tranquilamente hasta que ocurre un cambio inesperado de humor y todo se da vuelta. El salto de Moreau al río después de una noche de teatro es un ejemplo de ello.
El film no solo es brillante sino que presenta una sorpresa en cada escena casi siempre causada por el personaje de Moreau, y tal es la libertad de su espíritu y la libertad de Truffaut como cineasta que el film no da respiro, logrando siempre sorprender al espectador. Confirma que en el tema del amor, es el tema del cine francés.
La película revindica los placeres de la forma cinematográfica: la primera mitad, el primer plano de la teatralidad, con su afluencia de registros narrativos y exuberancia técnica: el uso de pinturas, libros, obras de teatro, sueños, conversaciones, material documental, etc. En la segunda parte, las diferentes formas de contar una historia, donde todo se concentra en torno al tema de la película: la representación y el mundo del arte.
El tiempo y los críticos revisionistas han tratado de empañar el brillo de esta obra maestra, citando su aparente misoginia y apoliticismo. No obstante ello, es una película inolvidable que abrió las puertas al cine europeo, reconocido incluso por los grandes maestros del cine americano como Hitchcock, Hawks y Ray.
La película de Truffaut es una hermosa elegía sobre el tiempo: el tiempo histórico y el tiempo circular del amor, la obsesión y el arte. Estos tiempos luchan en la estructura de la película. La historia pasa por años pasados en los encuadres, las secciones parisinas y los días que se extienden interminablemente.
Lejos de la misoginia, la película coloca el discurso de Catherine en su corazón filosófico. Y Jeanne Moreau la interpreta como la más honesta y humana de todas las grandes actrices.
LAS DOS INGLESAS Y EL AMOR (1971)
El actor Jean-Pierre Leaud, el niño protagonista de los 400 golpes, doce años después interpreta a Claude, el protagonista de Las Dos Inglesas y el Amor, simbolizando el encanto equivocado y tierno del corazón.
La historia es una adaptación de una novela de Henri Pierre Roche, quien también escribió la novela que inspiró a Jules et Jim, que está escrita en forma de diario desde tres puntos de vista (los tres personajes): Anne, Muriel y Claude, que componen el triángulo amoroso central de la narración. Es la historia de un amor frustrado. Dos hermanas inglesas que desarrollan fuertes sentimientos por su "hermano" francés Claude, que finalmente se convierte en una pasión sexual destructiva. Como tal, la película es una inversión de Jules et Jim.
La película retrata la dificultad en las relaciones entre los sexos en la era eduardiana: cómo los hombres y las mujeres jóvenes debían volverse clandestinos si esperaban incluso conocerse (no solo carnalmente sino también emocionalmente).
En el 71 la sociedad estaba mostrando signos importantes de liberación sexual, y Truffaut encontró una novela interesante en la obra de Brontë. En la película existe una extraña contradicción entre la aceptación de la promiscuidad de un francés, por un lado, y los castos valores victorianos de las hermanas, por el otro.
Esta es una de las obras maestras de Truffaut donde se destacan dos aciertos importantes. La elección de la voz en off y la actuación de Jean Pierre Leaud. Es una historia conmovedora sobre lo que sucede cuando tres personas desconfían de sus instintos y se niegan a tomar decisiones sobre sus sentimientos mutuos. Anne y Claude ocultan su intención de comprometerse detrás de la idea francesa de "amor libre". Muriel es una mujer religiosa que camina con cuidado al lado de Claude debido a sus ideas sobre el amor y el sexo, teniendo sentimientos muy fuertes de culpabilidad sobre su deseo sexual. Claude prefiere amarlas desde lejos a tener que elegir entre una de ellas. En realidad, ama a las dos mujeres, pero sabe que eso no corresponde, por lo que inconscientemente se niega a elegir entre ellas y simplemente va y viene entre las dos.
La voz en off se torna un elemento esencial en la narrativa, ubicando en tiempo y en forma a los personajes, dando una sensibilidad especial a la historia que permite a Truffaut sintetizar en forma rápida aspectos literarios de la obra, dando lugar al desarrollo de emociones más complejas en los personajes. La voz tranquila de Leau transmite durante la mayor parte de la película sus sentimientos más íntimos, dando lugar al desarrollo de un personaje complejo que está en el centro del triángulo amoroso.
"Two English Girls" satisface como una buena novela, buscando las motivaciones de Anne, Muriel y Claude, mostrando las cambiantes interacciones de estos personajes a lo largo del tiempo, dejándonos la sensación del inexorable paso del tiempo y el arrepentimiento por lo que pudo haber sido, mostrando cómo, una y otra vez, el amor reprimido por el sentimiento de inferioridad de Anne, o por la culpa puritana de Muriel, o por la abstención de Claude.
Otra de las fortalezas de la película es la maravillosa cinematografía de Néstor Almendros, que incluye tomas interiores de la casa y el paisaje en Gales (en realidad Normandía), la vista de la tierra en retirada desde un tren en movimiento, y el seguimiento de Anne moviéndose a través del bosque vista desde el lago.
Las excelentes actuaciones de Kika Markham y Stacey Tendeter, la música y el sentimiento genuino de Truffaut por las complejidades del amor en todos sus aspectos completan el nivel de excelencia de este film.
LA NOCHE AMERICANA (1973)
Esta obra maestra de Francois Truffaut no solo es un gran entretenimiento sino que es todo un manifiesto acerca de cómo se hace un film y las vicisitudes por las que pasa un director durante y después de la filmación de la misma. La película sigue al propio Truffaut, que filma un pequeño romance llamado "Encuentra a Pamela" interpretada por Jacqueline Bisset, Jean Pierre Aumont, y Valentina Cortese. La película es lo que podríamos denominar cine dentro del cine.
Truffaut afirma que rodar una película es como hacer andar un tren en la noche. Al principio esperas un buen viaje. Más tarde, solo esperas llegar a tu destino.
La película nos muestra a un grupo de personajes, una troupe de actores y técnicos, con sus respectivos problemas personales, a la vez que tratan de hacer una película, superando una dificultad tras otra. A veces los problemas son nimios. Otra, lo son importantes. Pero lo que Truffaut nos dice es que mientras filma una película cada problema que aparece es su propio problema. En el plató se encuentra desde cosas nimias a grandes dramas pasionales, enfermedades, embarazos sorpresivos, o un simple gato que se niega a tomar la leche. Alguien dice que un director de cine es un hombre al que constantemente se le hacen muchas preguntas y solo a veces sabe la respuesta.
"Day for Night", tal su título en inglés, tanto como su título en castellano (La Noche Americana), aluden a la necesidad de filmar una escena nocturna con luz diurna a través de un filtro especial. Es decir, simular la noche. En realidad, un film es toda una simulación con un propósito básico: contarnos algo que nos resulte entretenido. La Noche americana tiene, además, actuaciones brillantes, pero es Valentina Cortese quien se roba la película en el papel de Severine. Su escena con Alexandre en la que no puede recordar su diálogo y sugiere simplemente decir números es genial.
Todos estos elementos hacen de "La Noche Americana" una película muy entretenida. Truffaut asume el papel de Ferrand, el director de "Encontrando a Pamela", convirtiéndolo en un profesional, sencillo y agradable, muy metido en su papel. Se necesita un esfuerzo consciente para separar a Truffaut de Ferrand, pero cuando eso sucede, los logros de Truffaut se vuelven superlativos.
Como coguionista del guión, Truffaut intervino en todo lo que se dice; como director de "Day for Night", organizó todas las tomas de la película, incluso las escenas en las que aparece como Ferrand. Su labor ha sido extraordinaria. El film no solo es una película agradable e inteligente sino todo un homenaje al cine de autor. Expresa cabalmente el amor que Truffaut siente por el cine y por la vida.
"Qué vida tan divertida llevamos", dice la anciana estrella Severine (Valentina Cortese), resumiendo "La Noche Americana". "Nos encontramos, trabajamos juntos, nos amamos y luego, tan pronto como entendemos algo, pifft, nos vamos." La película termina. Queda solo su recuerdo. Pero en la visión de Truffaut hay algo más que consuelo: la compañía que ofrece la vida en el set, donde los artistas desarrollan intensas pasiones que puede brotar en solo un instante.
Este film es el de un amante del cine sobre amantes del cine para los amantes del cine. Es la obra más personal de Truffaut y ningún cinéfilo debería perdérsela.
EL ÚLTIMO METRO (1980)
Le Dernier Metro es el retrato de una mujer, Marion Steiner (Catherine Deneuve), una actriz de cine y teatro, bella, autoritaria, y exitosa que se encuentra atrapada en su propio laberinto personal, en el marco de un momento histórico de profundo antisemitismo. Visto desde otra perspectiva, la película es una reflexión sobre lo escondido, lo encerrado, lo oculto.
Transcurre 1942, París ha sido ocupado por los nazis. Marion tiene que administrar el Teatro Montmartre y su compañía teatral. Su esposo Lucas Steiner (Heinz Bennent), judío, escritor, director y propietario del teatro, se mudó oficialmente a Sudamérica, escapando de los alemanes, aunque de hecho, está escondido en el sótano del edificio. Bernard Granger (Gérard Depardieu) es un actor prometedor contratado para actuar con Marion en una nueva obra. Marion se enamora de Bernard, pero esconde sus sentimientos debido al respeto que tiene por su esposo. La supervivencia del teatro depende del éxito de esta obra.
Truffaut describe la deslealtad de una mujer enamorada. La Marion de Deneuve es una mujer bella y madura cuando su esposo judío, escondido en el sótano, la empuja a su separación, llevándola a los brazos de Bernard, su joven actor principal.
Se trata de personas que intentan vivir normalmente una situación extrema como lo es una guerra. Viven estresados aunque no participan de ella, y solo tratan de sobrevivir con lo que más aman, haciendo teatro.
Truffaut moldea a sus personajes en función de cómo viven esa situación extrema. Algunos se mueven pragmáticamente, como el director de la obra, quien se opone a los alemanes, pero está dispuesto a considerar vender el teatro. A otros, disgusta el crítico teatral Daxiat, pero es tratado con respeto para que sus opiniones periodísticas no alejen al público del teatro, y a pesar que sus ideas políticas son contrarias a las que tienen los actores. Todo está soportado por un péndulo que exige el permanente equilibrio individual para evitar la generalización del mal.
El film es también un homenaje al teatro cuyo funcionamiento en medio de la guerra es toda una parábola sobre la supervivencia: salvar la vida y salvar el teatro, que en definitiva, es lo que les da de comer. Es una historia donde la vida se transforma en una permanente actuación para poder seguir viviendo. Fuera del teatro la gente finge una vida normal, aunque en realidad, ha perdido la soberanía y desea conservar su cultura como consecuencia de la tutela ejercida por el ejército invasor.
La película progresa en forma constante, permite conocer a los personajes, los actores se lucen en sus respectivas interpretaciones transformando al film en un gran muestrario de traiciones, comportamientos pusilánimes, muestras de coraje, resistencia al opresor, y hasta colaboraciones con el enemigo. No obstante, en el escenario, una obra de teatro sobre el amor reprimido, resuena como un grito de libertad ahogada en la oscuridad que envuelve a la Francia ocupada y al resto de la Europa occidental.
El film se transforma como un gran homenaje al teatro como expresión de libertad, y a quienes lo mantienen vigente (los actores), a menudo con abnegación y en condiciones adversas. También es una reflexión sobre lo oculto, aquello que no debe salir y permanecer escondido para ser preservado hasta el momento justo.