Roberto Rossellini (1906 – 1977)
Nació en la ciudad de Roma, en Italia. Su familia siempre estuvo vinculada con el negocio cinematográfico. Su padre construyó el primer cine romano. Cuando Roberto terminó su bachillerato, comenzó a trabajar como director y montajista de cortometrajes en el Instituto Luce. En 1938 rodó su primer cortometraje, después del cual asistió a Goffredo Alessandrini en el rodaje de la película “Luciano Serra, Piloto”. En 1940 asistió a Francesco De Santis en “Uomini sul Fondo”. Más tarde realiza sus primeros tres largometrajes, La Nave Bianca (1941), Una Pilota Ritorna (1942) y L'Uomo della Croce (1942), tres obras que desafiaban a la censura fascista mussoliniana.
Rossellini vio la industria del cine destruida durante los terribles días de la Segunda Guerra Mundial. Por necesidad, surgió en su cabeza la idea de filmar en las calles y casas de familia dado que los estudios habían sido destruidos por la guerra. Era una nueva forma de poder hacer películas.
Su cuarta película sería la obra fundamental de su carrera. Ese film es Roma, Ciudad Abierta, filmada entre 1944 y 1945 que contó con la colaboración de los guionistas Sergio Amidei y Federico Fellini. Esta obra estaba destinada a ser la película fundadora de lo que más tarde se dio en llamar el Neorrealismo Italiano, cuyas características principales fueron el verismo en lo temático y el documentalismo en lo formal. Ello le permitiría mostrar las vivencias comunes del hombre de la calle.
La obra siguiente de Rossellini será Paisá (1946), una película que consolidó la tendencia neorrealista de la anterior. Culminaría esta etapa con Alemania, Año Cero (1947), completando una mirada sobre la sociedad italiana durante la Segunda Guerra Mundial y la posguerra.
Después de la Trilogía Neorrealista, Rossellini produjo dos largometrajes que hoy se consideran transicionales: El Amor (con Anna Magnani) y La Máquina Mortal, que mostraban la más cruda realidad sin ocultar la verdad de lo que estaba ocurriendo.
Un año más tarde su obra cambia de ángulo y pone énfasis en el problema de la incomunicación en el marco de la sociedad moderna. No es casual que en 1948 Rossellini reciba una carta de Ingrid Bergman proponiéndole trabajar con él. Ello no solo dará comienzo a una historia de amor sino también a una sociedad artística que dará frutos inolvidables. Ambos estaban en su momento de mayor popularidad e influencia. Comenzaron a trabajar un año más tarde en Strómboli, (1950), Repitieron la experiencia en Europa 51 (1951), y en 1954, Viaje por Italia. Estas tres películas son conocidas como La Trilogía de Ingrid. Se trata de un enfoque de carácter intimista, en el cual juega un papel fundamental la intervención de la actriz. Por otro lado, esta relación artística, pero sobretodo sentimental, fue motivo de grandes problemas. Bergman y Rossellini eran personas casadas antes de conocerse, y el escándalo estalló cuando nace Pía, la primera hija de los cuatro que tuvo la pareja.
Hacia el final de la década, Rossellini comienza a apreciar las ventajas de la televisión. La India Vista por Rossellini (1959), da comienzo a una serie de obras tales como La Edad del Hierro (1965), La Toma del Poder de Luis XIV (1967), Sócrates (1971) o Blaise Pascal (1972).
Rossellini pensaba que para crear un personaje era inevitable entablar una batalla con el actor profesional. El director terminaba sometiéndose a los deseos del actor. Como consecuencia de ello, prefería trabajar con actores no profesionales, como así también por una iluminación natural con el propósito de reflejar con más naturalidad la realidad cotidiana y la lucha por la dignidad de las masas.
Se ha dicho que una de las razones del éxito de Rossellini fue reescribir los guiones según los sentimientos y las historias de sus actores no profesionales. Los acentos regionales, los dialectos y las vestimentas que se ven en sus películas son tal cual como cada actor se expresaba o vestía.
PRINCIPALES PREMIOS RECIBIDOS
1945 – Palma de Oro Festival de Cannes - Roma, Ciudad Abierta
1946 – Cinta de Plata Sindicato Periodista Italianos - Mejor Director - Paisa
1948 - NBR Award - Mejor Director - Paisa
1950 - Premio Kinema Junpo - Mejor Película Extranjera - Paisa
1950 - Premio NYFCC - Mejor Película Extranjera – Amor (1948) - I 'Il Miracolo"
1952 - Premio Internacional para "Europa '51."
1960 - Cinta de Plata - Mejor Director por Il Generale della Rovere (1959)
1961 - Sant Jordi la "Mejor Película Extranjera Il Generale della Rovere (1959)
CINCO PELICULAS FUNDAMENTALES EN SU FILMOGRAFIA
ROMA, CIUDAD ABIERTA (1946)
Es una de las más importantes películas de la historia del cine. Es considerada como la iniciación de un nuevo movimiento cinematográfico denominado neorrealismo. Dirigida por Roberto Rossellini, cuenta un episodio del movimiento de resistencia italiano y su lucha contra la ocupación nazi. La película es una acusación contra las fuerzas de ocupación nazis y una representación de la dignidad y el coraje de los combatientes de la Resistencia italiana. El director sentía miedo, pero cuando decide filmar la película, lo que hace es mostrar ese miedo que es el miedo de todos. Filmó casi inmediatamente después que la ciudad fue liberada de los alemanes. El film transmite un mensaje de esperanza para el futuro.
El país, en realidad, estaba ocupada por dos ejércitos, el alemán y el estadounidense. Ninguno de los dos confiaba en los italianos, que continuaban con sus disputas internas entre partisanos y fascistas, dentro de los límites que permitían las fuerzas de ocupación. La traición era moneda corriente. Una escena del film la muestra descarnadamente cuando la hermana de Pina colabora con el enemigo para obtener cosas materiales que de otro modo no podrían obtener.
Rossellini retrata a la resistencia más allá de las banderas políticas, sean comunistas o católicos, eran todos italianos. Manfredi, Francesco, Pina y los niños parecen compartir la misma idea. También vemos esto en el cura, Don Pietro, un hombre amable, de una fe inquebrantable. Sus actividades como trabajador de la resistencia lo define tal cual es. "Es mi deber ayudar a quienes lo necesitan” contesta a un nazi. Más tarde, capturado y torturado por la Gestapo, acepta su destino: "No es difícil morir bien. Es difícil vivir bien”.
El film recrea una de las tantas historias ocurridas durante la resistencia del pueblo italiano en su lucha contra la ocupación nazi. Es también una acusación de esa ocupación y una representación de la dignidad y el coraje de los combatientes de la Resistencia Italiana ante una situación extrema que confronta con todos los horrores que podemos conocer.
Tal vez la escena que sintetiza ese sentimiento sea aquella con Anna Magnani en la que observamos, horrorizados cómo Pina corre tras el camión donde llevan a prisión a Francesco, su hijo, por un delito menor. Esa secuencia es uno de los mejores logros de Rossellini y se ha transformado en una escena iconográfica de la historia del cine.
Esta película está considerada como la obra fundadora del neorrealismo italiano y una de las mejores películas de la historia del cine. También la obra más representativa de su cine.
Paisá (1946)
Filmada con actores no profesionales, se compone de 6 episodios que transcurren en diferentes momentos entre 1943 y 1944. Son episodios distintos y no están relacionados entre sí más que por el nexo del Guerra.
Esta película se concentra en la campaña de Italia, al final de la Segunda Guerra Mundial. Trata sobre momentos breves pero importantes de ese conflicto tales como el desembarco aliado en Sicilia, la batalla de Monte Casino, y la batalla de la Línea Gótica, entre otros. Se realizó con imágenes de archivo, mostrando la guerra a nivel humano, y cómo sus consecuencias impactan las vidas y los valores de las personas. No es una "película de guerra" en un sentido genérico sino más bien "una serie de historias humanas que transcurren durante la guerra".
Para ilustrar dichos aspectos, muestra seis escenas que transcurren a medida que los Aliados avanzan hacia el norte a través de Italia. Tres de ellas tienen lugar durante las batallas (1, 4, 6) y tres después (2, 3, 5). El logro de Paisá es la notable integración de los episodios. Mantiene unidad temática y estética en todo momento. Paralelamente, cada escena tiene su singularidad, sin romper dicha unidad.
Estéticamente, combina el documental con la ficción, algo no visto en su época. Las escenas comienzan con imágenes de archivo. La ficción se integra dando continuación al relato. Además, el estilo documental otorga sobriedad, a la vez que relata historias simples sobre temas realistas. El director introduce cuidadosamente los elementos ficticios para mejorar el impacto dramático de cada escena: música, iluminación, humor, acciones sorprendentes. La fotografía de Otello Martelli es tan importante como las propias actuaciones
El humor es otro elemento clave. Rossellini lo hace para suavizar el tono trágico del entorno bélico. La segunda y la tercera escena deslizan un perfil trágico. La cuarta es hilarante, aunque mucho más corta, Recrea un diálogo entre los oficiales británicos que observan los combates desde lejos mientras hablan de manera flemática como si la guerra no existiera. La quinta escena es en un monasterio, está llena de humor, dado que ocurre cuando la guerra en la región ha terminado, y los monjes ya no tienen que atender situaciones trágicas. El tono se vuelve satírico. Este humor trata de equilibrar el tono trágico general de la película. La guerra ha terminado. Se espera volver a un mundo mejor basado en el respeto de la humanidad de las personas.
"Paisa", que significa compatriota, es otra obra maestra de Rossellini, y una película esencial de neorrealismo. Filma tanto un documento histórico como una película. Su enfoque de tipo documental eleva a los personajes y las situaciones al nivel de gran tragedia.
Germania Anno Zero (1947)
Patrocinada por un productor francés y dirigida en el sector francés de Berlín, es la última parte de la llamada trilogía de la guerra. Roberto Rossellini capturó en este film la otra cara de la tragedia y su trabajo muestra el dolor del sufrimiento de la posguerra en Berlín. Filmó en las calles donde meses antes habían muerto un millón personas. Sin actores profesionales, filmando a la gente común, con un presupuesto ínfimo, el gran director muestra la tragedia de un pueblo. Lo hace desde el documental, dejando que su cámara registre y cuente la realidad, mostrando los rostros reales del drama del pueblo alemán.
El formato documental le permite filmar en directo, sin tramas secundarias. Alemania había sido destruida. La gente vivía entre las ruinas. Elige un grupo de personas en torno de Edmund Mëschke, un niño de 12 años que vive en un apartamento pequeño con otras cinco familias. El niño asume el papel de un jefe de familia. Mantiene a su padre, a su hermano (un ex soldado nazi) y a su hermana.
El film es una historia sobre gente común, civiles alemanes que intentan sobrevivir al hambre y las privaciones que impone la situación de Berlín en 1945. El personaje central es aún un niño que a los 12 años se hace cargo de su familia. La situación es sombría. Su hermano no quiere trabajar por temor a ser capturado como prisionero de guerra, su hermana sale todas las noches a prostituirse y su padre anciano y enfermo ya no puede trabajar.
Edmund soporta todo el peso de su familia. Finge tener edad suficiente para trabajar, pero cuando no consigue trabajo, roba, vende artículos en el mercado negro o permite que su antiguo maestro, que forma parte de los restos del régimen nazi, lo acaricie por unas monedas.
Alemania Año Cero carece de sentimentalismos. Es cruda y directa, no da lugar a la demagogia. Nos habla de la vergüenza, el hambre, la incredulidad, la capacidad de maldad, y de la desesperación ante la impotencia de no poder hacer. Rossellini busca que la pérdida emocional que muestra una Alemania devastada por la guerra quede clara ante el espectador. No obstante, es un film que muestra cómo el espíritu humano puede superar las pesadillas y condiciones más horribles.
La historia de Edmund ignora la conciencia de un niño entre la inocencia de su infancia y los horrores del mundo real. El film trata de la lucha personal por la supervivencia en un país destruido que ha acabado con la capacidad de sacrificio y con la esperanza de un futuro. Las imágenes del film permanecen en el espectador hasta después de que la película haya terminado.
Strómboli (1950)
El film narra la historia de Karin, una refugiada lituana, adinera y noble que ha perdido todo durante un conflicto bélico y ahora, que la guerra ha terminado, busca una vida mejor, casándose con un campesino italiano y yéndose a vivir con él a Strómboli, una isla frente a la costa del sur de Italia.
La guerra ha terminado pero ha dejado un manto de tristeza por todos los que se han ido y por lo que se ha perdido. Retrata a Ingrid Bergman como una mujer cuyos sentimientos parecen adormecidos. Karin siente nostalgia, y necesita recuperar su paraíso. Todos sus esfuerzos están destinados a restaurar su pasado. Sus posibilidades son escasas.
Cuando se casa con Antonio, realiza un intento de recuperar el tiempo pasado, pero irá a parar a un lugar muy lejano respecto de donde quedaron sus sueños. Strómboli es un lugar aislado, rodeado de mar, árido y poblado por campesinos y ermitaños. Karin se siente como una prisionera atrapada en una isla y amenazada por la erupción de un volcán. Las distancias, además, son enormes. No conoce el idioma. Le cuesta entrar en un ambiente regido por ritos y tradiciones.
Recordará el significado de la vida de la forma más dura. Sentirá culpa por su autosuficiencia, que niega la existencia de un Dios y su ambición mundana que necesita mantener un estilo de vida cómodo y lujoso. Cree su pertenencia a una clase superior. Cortejará al sacerdote local. Esto provocará ira. El volcán de Strómboli es quien hará escuchar el escarmiento.
Karin deberá ascender a la cima de la montaña mientras se deshace de sus pertenencias materiales, levanta la cabeza hacia el cielo y se dirige a Dios. Nunca sabremos si ella salva o no su vida. Eso ya no importa.
Rossellini pinta la oscuridad y los sufrimientos de esta mujer con una actuación magistral de Ingrid Bergman en la que sobresalen tanto sus emociones como sus alegrías. El director se muestra preciso tanto en la elección de las imágenes como en el ritmo de la edición.
VIAJE POR ITALIA (1954)
Esta es la película que Truffaut proclamó como "la primera película moderna" en Cahiers du Cinema. Colocó a Rossellini como el padre de New Wave… Luego llegaría Antonioni.
Viaje por Italia es una película que retrata la crisis de un matrimonio en medio de la belleza y los paisajes cercanos a Nápoles. Estamos ante un viaje que atraviesa una crisis de pareja. También es un melodrama con algo de emoción y muchas imágenes para interpretar.
La muerte de sus tíos lleva a Catherine (Ingrid Bergman) y Alex (George Sanders) a Nápoles para que puedan manejar la venta de una villa que han heredado. Desde que salieron de viaje hay una atmosfera fria y una aparente indiferencia entre ellos. Se trata del momento en que un matrimonio se acerca al borde de la nada, a una relación que de repente se desvanece. Esa crisis se materializa en una lujosa villa con hermosas vistas donde el horizonte parece lejano, una terraza vacía donde la pareja languidece en cómodos sillones de mimbre desde donde puede observar los campos de Nápoles envueltos en un clima cálido que invita a un momento vacacional.
Después de varias noches difíciles donde reconocen el frágil estado de su relación, deciden pasar un tiempo separados. Catherine es una mujer de gustos sofisticados, intelectual y sentimentalmente, confusa. Está obsesionada por su propio pasado y por el pasado estrictamente vinculado a los lugares que visita. Busca algo que le ayude a descifrar qué le está pasando... el eco de las voces, la frialdad de las catacumbas, el poder de los volcanes, el caos de las calles de Nápoles y las excavaciones en Pompeya. Sueña con una buena vida, una vida independiente. Todo parece estar en su lugar. Sin embargo, cuando en la calle ve a na madre con su bebé se llena de nostalgia.
Alex es diferente. Es un extranjero que no encuentra encanto en Italia. Es un hombre práctico y frío. Se siente aburrido. Se queda en Capri, coquetea y disfruta de la amigable compañía de una señorita que conoce allí. Esa experiencia le abre los ojos. El trabajo y el deber que significan mucho para él. Reflexiona. Regresa a la casa con otra expectativa.
El film trata del proceso de deterioro de un matrimonio, donde el paso del tiempo se transforma en memoria. Una fosa donde alguna vez estuvo enterrado un cadáver es testigo de que ahora no queda nada. Solo hay una forma. Los arqueólogos vierten yeso para conjeturar la forma de ese pasado. Sin embargo, lo que recuperan es simplemente la réplica de un espacio vacío.
El matrimonio se ha desgastado hasta un punto en que la pareja se ha olvidado del amor, dando paso a la rutina, más tarde al aburrimiento, para finalmente terminar en la molestia del uno con el otro.
La pareja vuelve a encontrarse. Ambos, cada uno por su lado, han concientizado sus problemas matrimoniales. Ninguno de los dos desean romper el matrimonio, pero tampoco tienen respuesta a lo que pasa, excepto que están ante vestigios de un pasado que extrañan y quisieran recuperar.
Es un film en el que todo tiene un significado preciso. El amor es una construcción. Aquí abunda el espacio vacío, las imágenes ascéticas, señales que no se deben ignorar. El film requiere de la participación del espectador. Es como estar ante un rompecabezas que se debe armar y en algún momento parece como que faltara una ficha. Principio del formulario