LA NOUVELLE VAGUE II
POSTULADOS
1. Simplicidad técnica. 2. Bajos presupuestos. 3. Mayor libertad narrativa. 4. Mayor cantidad de rodajes en escenarios naturales. 5. Los sonidos, la luz y la música debían ser naturales. 6. El director debía ser la estrella.
Proponían un desarrollo narrativo no lineal, incluso montando las películas en capítulos, como si se tratara de una obra literaria, dejando en un segundo plano, la coherencia narrativa para jugar con el lenguaje cinematográfico. Muchos entendían que el cine se había desgastado con la llegada del cine sonoro. Los realizadores franceses, pretendían traer de vuelta, ese espíritu innovador de los comienzos del cine impulsado por directores como D.W Griffith o Sergei M. Eisenstein.
Entre fines de los ´50 y principios de los ´60, el manifiesto de la nueva ola se materializa en la pantalla. François Truffaut presentó Los Cuatrocientos Golpes en el Festival de Cannes de 1959, y obtuvo el premio al Mejor Director. Alain Resnais estrenó Hiroshima Mon Amour que despertó enorme interés. El movimiento comenzabas a consolidarse. La Nouvelle Vague inspiró títulos como El Último Suspiro (1960) de Jean-Luc Godard, Jules y Jim (1961) de Truffaut o La Coleccionista (1967) de Eric Rohmer.
En 1953, Truffaut escribió “Una Cierta Tendencia del Cine Francés”. Allí expresaba su desacuerdo con la adaptación de obras literarias de manera convencional. Decía: - “Yo no puedo creer en la coexistencia pacífica de la Tradición de Calidad y de un Cine de Autor. Ya estamos hasta el cuello de la tradición de la calidad y el realismo psicológico del cine francés. Ello conducirá al cine francés al cementerio”. El artículo generó polémica, pero también consenso. El apasionamiento de Truffaut, fue seguido por el resto de críticos de la revista, que supuso un cambio radical en la línea editorial del medio.
Con diferentes criterios, se crearon diversos movimientos siempre encuadrados dentro de la Nouvelle Vague. Unos fueron más experimentales que otros, pero todos intentaron cambiar los cánones del lenguaje tradicional cinematográfico. Los directores que adherían a las nuevas formas mostraban simplicidad y libertad a través del uso de cámaras livianas y usaban la cámara en mano. Se manejaban con bajos presupuestos reduciendo al máximo la filmación en estudio, saliendo a la calle y exponiendo su libertad creativa, improvisando, utilizando escenarios naturales y espacios abiertos.
Aparecen nuevas caras, actores y actrices sin demasiada experiencia previa. Anna Karina, Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Ives Montand,… serán las nuevas estrella que aportarán un estilo de actuación diferente basado en el realismo. También representaban un cambio generacional. Estos actores se convirtieron en auténticos iconos del cine francés.
Rohmer, Godard, Truffaut, entre otros, realizan su primeras obras, llevando a la praxis la idea de resaltar la figura del director como autor de la obra. Ello reivindicaba la esencia del cine como creación del propio autor diferenciándose del cine meramente comercial que, según ellos, “...tergiversaba la esencia cinematográfica...”.
El cine francés reconoce nuevos íconos que lo identifican: imágenes en blanco y negro, el uso de sombreros en los hombres, bares oscuros envueltos de humo de cigarrillos, mujeres jóvenes de pelo corto... Personajes que discuten aspectos de la condición humana durante largos diálogos y muestran su vida cotidiana sin ningún artificio.
Los Cuatrocientos Golpes de Francois Truffaut, se considera el manifiesto de la Nouvelle Vague, una obra filmada de acuerdo a todos los postulados del movimiento. El film constituye el primer capítulo de una serie de películas cuyo personaje central es Antoine Doinol, un alter ego del director. Truffaut ganó el Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes de 1959, dedicándoselo a la memoria de su maestro y amigo André Bazin.
Con el tiempo, y pese a la fuerza con que se desarrolló, algunos de sus componentes fueron distanciándose de los postulados originales. No obstante, este movimiento cambió por completo la forma de hacer cine que existía hasta ese momento, llegando a ser uno de los movimientos cinematográficos más influyentes en la historia del séptimo arte. Esta corriente también posicionó a París como la capital del cine de autor.
CARACTERISTICAS DE LA NOUVELLE VAGUE
Durante décadas, el cine de Hollywood fue el que estableció los estándares del cine comercial. Los directores franceses aprendieron a hacer cine viendo las películas americanas. Pero a partir de los ´50, la influencia comenzó a ser el neorrealismo italiano, particularmente de De Sica y Rosellini. Cuando aparece la Novelle Vague, el cine francés rompe las reglas para hacer un nuevo cine. Con cámaras más livianas, dejando el trípode de lado y dando lugar al uso intensivo de la steady cam, comienzan a dar otra dinámica al pretendido nuevo cine. Comienzan a rodar en localizaciones reales, buscando un mayor realismo. A su vez, dan un tratamiento diferente a la iluminación al trabajar con luz natural dando una fisonomía más natural a las películas.
Uso de Diálogos Improvisados
Se buscaba una mayor espontaneidad hacia el espectador, dejando que la escena fluyera por si sola de manera natural. En Sin Aliento (1960), Godard improvisó diálogos durante las escenas iniciales, donde vemos a Michel conduciendo un auto. La escena en el hotel, donde Michel intenta seducir a Patricia, también fue improvisada durante la filmación. En el final de Cleo de 5 a 7 (1962), Agnés Varda modificó diálogos durante el rodaje.
Producciones de Bajo Presupuesto
Desde 1947 hasta el año 1957, las películas francesas recibieron apoyo económico por parte del gobierno francés, al igual que muchas coproducciones internacionales. Pero en 1957, la televisión empezó a ser cada vez más popular, por lo tanto, la asistencia a los cines sufrió una disminución drástica.
Consecuencia de ello, Productores y Directores decidieron filmar con presupuestos más bajos, lo que generaba muchas complicaciones a los creadores, para financiar las películas que querían rodar. Eso motivó filmar en pisos prestados o propios. Esto también influyó en los repartos, generando la contratación de actores noveles, ya que se carecía de dinero para contratar a los consagrados. La falta de medios, obligaba ala creatividad, y eso llevó a muchas innovaciones estilísticas dentro del cine francés.
El Sonido Directo
El sonido ahora se grababa en vivo. Podemos diferenciar escenas que se escuchan con un sonido fuerte y otras, más suave. Los directores no corregían estos aspectos. A veces, se superponían diálogos de los actores con sonidos ambientales.
Filmación Cámara en Mano
Podemos ver escenas que se ven temblorosas o inestables. Esto se debía, como hemos mencionado previamente, a que los directores no utilizaban el trípode, ya que de esa forma se conseguía una mayor flexibilidad a la hora de rodar un plano. Esta técnica también permitía al director realizar una toma de mayor duración, en la que la cámara seguiría a los personajes durante toda la escena. Esto lo podemos ver en películas como Sin Aliento (1960) de Godard, cuando los personajes de Patricia y Michel, mantienen una conversación en una sala.
Es más fácil para el director el uso de esta técnica, ya que al ser un espacio tan pequeño, los movimientos que puede realizar la cámara se ven muy limitados, por lo que resulta más práctico el uso de la cámara en mano. Este recurso, llegó a ser una de las características de la Nouvelle Vague, y que todavía sigue perdurando.
Los directores hacían uso de esta técnica, para captar a los personajes caminando por la calle, entrando a distintos lugares, o poniendo la cámara por encima de los hombros del personaje, para de esa forma captar su punto de vista. Cleo de 5 a 7 (1962) es un claro ejemplo de ello, en la que vemos en gran parte del metraje, a la protagonista caminando por las calles de París.
El Uso del Jump Cut
Otra de las características técnicas, que predomina en las cintas pertenecientes a la Nouvelle Vague es el uso de elipsis o jump cuts, en la edición de las películas. Es un corte abrupto en una misma toma que, literalmente salta en el tiempo y rompe con la continuidad narrativa Los realizadores franceses no querían seguir los estándares de montaje tradicional, porque creían que de esa manera la historia abarcaba toda la atención dejando de lado todas las características cinematográficas.
Otro ejemplo de la película Sin Aliento de Godard, es la secuencia donde el personaje de Michel conduce un coche robado y vemos como el fondo va cambiando con la sucesión de cortes, mientras el personaje sigue manteniéndose en una misma posición dentro del plano. Este recurso también les permitía, cortar una escena de acción en varias partes.
En esta cinta, también hay una escena en la que el personaje de Patricia sube al coche de Michel después de comprar un vestido nuevo. Godard optó por usar jump cuts, en vez de rodar la secuencia en un solo plano. El uso de estos cortes en la edición, también se debía a una cuestión económica. El metraje total de Sin Aliento, duraba alrededor de dos horas y media, y el contrato que tenía Godard con la productora, estipulaba que debía durar un máximo de 90 minutos.
El Uso del Plano Secuencia
El uso del plano secuencia es también una de las principales características de la Nouvelle Vague Es una técnica que consiste en una toma sin cortes durante un tiempo dilatado.. Por ejemplo, en Los 400 Golpes (1959) hay un plano secuencia al final de la película, cuando Antoine escapa del reformatorio. En esta última escena, vemos a Antoine corriendo por una playa sin gente, en la que Truffaut hace uso de este recurso. En Sin Aliento, Godard también usa este recurso, en la secuencia en la que Patricia y Michel están caminando del hombro por las calles de París.
Temáticas y Estilo
La Teoría de Autor:
La teoría de autor dictaminaba, que la cámara de los realizadores tenía que ser como un bolígrafo en sus manos, en el que debían escribir todas sus visiones y experiencias vitales, de una forma cinematográfica. Por ejemplo, Los 400 Golpes es una película semi autobiográfica de director, que refleja la vida de la infancia de Truffaut y de su amigo. El joven de la película, es un chico incomprendido por sus padres y maestros, por lo cual se le envía a un reformatorio para jóvenes.
Esta película coincide con la teoría del autor. Mantiene la perspectiva del director, reflejando el punto de vista personal de Truffaut y de sus experiencias personales a través de su cine. En los años posteriores, Truffaut siguió realizando películas semi autobiográficas, mostrando etapas diferentes de su vida. Esto lo podemos ver en Antoine y Colette (1962), Besos Robados (1968), Domicilio Conyugal (1970) y El Amor en Fuga (1979), todos ellas protagonizados por Jean-Pierre Leaud, con un mismo personaje: Antoine Doinel.
Andre Bazin, trató en innumerables ocasiones en Cahiers du Cinema, los aspectos más imprescindibles de esta teoría fílmica. Bazin reiteró la necesidad del creador, de hacer de su obra algo personal, para de esa forma aproximarse lo máximo posible a una verdad creativa.
Personajes Sin Rumbo en la Vida
En las películas de la Nouvelle Vague, siempre es recurrente la aparición de personajes que se comportan y actúan de una manera inmoral e irresponsable en sus vidas. A menudo, no tienen un objetivo claro en la vida y tampoco tienen lazos familiares en los que apoyarse. Por ejemplo, en Al final de la escapada, Michel roba un coche en Marsella, roba el dinero de su novia y mata a un policía en el camino a París. En la película, a menudo se muestra la actitud caótica del personaje ante la vida.
En Los 400 golpes, podemos ver esta actitud también en el protagonista. El personaje de Antoine, roba la máquina de escribir de la oficina de su padre, se salta la escuela, trata de disculparse mintiéndole al maestro o roba leche mientras huye de casa. Otro ejemplo lo podemos ver, en la película de Jean-Pierre Melville El silencio de los hombres (1967), en la que el protagonista es un asesino a sueldo profesional que roba coches, comete asesinatos y constantemente está huyendo de las autoridades.
Las Relaciones de Pareja
Muchas de las películas de la Nouvelle Vague han tratado sobre la complejidad de las relaciones amorosas. En su mayoría, se trata de gente joven que ronda la treintena, y en las que vemos las diferentes batallas que tienen que lidiar a diario, con sus relaciones, con sus matrimonios o con sus hijos. Esta temática la podemos ver en películas como Una Mujer Casada (1968) en la que Godard nos relata la historia de una mujer que está teniendo una aventura amorosa con otro hombre. Otro ejemplo lo podemos ver, en la cinta de Truffaut Domicilio Conyugal (1970), en la que se nos muestra a una pareja casada, que tiene que lidiar con los problemas que trae consigo, la vida matrimonial.